Ein Vorspiel im Dunkeln

Manche Geschichten beginnen nicht mit einem Schrei, sondern mit dem leisen Brummen eines Motors. Genau so verhält es sich mit dem Auftakt der neuen Reihe Murder Tales aus dem Hause Contendo Media, die im November 2023 mit der Episode Highway Killer an den Start ging. Wer die bisherigen Serien des Labels kennt, weiß, dass hier seit Jahren mit großer Sorgfalt an akustischen Schauplätzen gearbeitet wird, an Orten, die im Kopf der Hörenden ein Eigenleben entfalten. Mit Murder Tales wagt man sich nun in ein Terrain, das weniger mit übernatürlichem Grauen arbeitet und stattdessen den ganz irdischen Schrecken in den Mittelpunkt rückt: den Menschen, der zum Mörder wird, und die Nacht, die zur Falle gerinnt.

Der Titel der Serie verspricht Programm. Murder Tales, das klingt nach Anthologie, nach einzelnen, in sich geschlossenen Fällen, die jeweils neue Figuren, neue Schicksale und neue Abgründe präsentieren. Die erste Folge liefert dafür den Prototyp: einen nächtlichen Highway irgendwo in einer namenlosen, aber vertrauten Gegend, auf dem ein Serienmörder sein Jagdrevier gefunden hat. Es ist ein Setting, das unmittelbar Bilder heraufbeschwört, die man aus zahllosen Roadmovies kennt, aus jenen Filmen, in denen die endlose Straße selbst zum Sinnbild für Einsamkeit und Gefahr wird.

Ein Label mit Erfahrung im Grauen

Wer sich der ersten Folge vom Murder Tales Hörspiel nähert, tut gut daran, kurz einen Schritt zurückzutreten und den größeren Zusammenhang zu betrachten, in dem diese Reihe entsteht. Contendo Media hat sich über Jahre hinweg einen Namen als verlässlicher Anbieter düsterer, oft morbider Hörspielunterhaltung gemacht. Die Horror Tales gelten dabei längst als eine Art Flaggschiff, ein Format, das mit übernatürlichen Motiven, mit Dämonen, Flüchen und unheimlichen Erscheinungen arbeitet und über die Jahre eine treue Anhängerschaft um sich versammelt hat. Vor diesem Hintergrund wirkt die Entscheidung, mit Murder Tales eine zweite, klar abgegrenzte Reihe zu etablieren, folgerichtig. Statt das bewährte Konzept einfach zu wiederholen, wagt man den Schritt in ein Genre, das seine Schrecken nicht aus dem Übernatürlichen, sondern aus der kalten, sehr realen Möglichkeit menschlicher Gewalt bezieht.

Diese Verschiebung des Fokus ist keineswegs beiläufig. Sie verändert die Grundregeln des Erzählens erheblich. Wo bei den Horror Tales letztlich fast alles möglich ist, weil übernatürliche Kräfte im Spiel sind, muss sich eine Geschichte wie Highway Killer an die Gesetze der Wirklichkeit halten. Ein Mörder, der auf einem Highway lauert, kann nicht einfach aus dem Nichts erscheinen oder sich in Rauch aufgelösen, wenn die Lage brenzlig wird. Jede Bedrohung muss plausibel bleiben, jede Rettung nachvollziehbar erklärt werden. Diese engeren erzählerischen Leitplanken erhöhen den Anspruch an Buch und Regie erheblich, und es ist bemerkenswert, mit welcher Selbstverständlichkeit sich die Produktion dieser Herausforderung stellt.

Zugleich lässt sich beobachten, dass Murder Tales bewusst nicht als reine Kopie amerikanischer Slasher-Vorbilder auftritt, sondern versucht, das Genre in eine mitteleuropäische Hörspieltradition zu übersetzen. Die vertraute, leicht anonymisierte Landstraßenkulisse, die Sprache der Figuren, die Art, wie Polizei und Institutionen dargestellt werden, all das trägt eine spürbar deutsche Handschrift. Diese kulturelle Übersetzungsarbeit verdient Anerkennung, auch wenn sie im Rahmen einer einzelnen Auftaktfolge naturgemäß nur in Ansätzen sichtbar werden kann.

Der Asphalt als Bühne des Schreckens

Im Zentrum der Handlung steht Jonas, ein junger Mann, der spätnachts auf dem Heimweg ist. Die Straße liegt leer vor ihm, die Scheinwerfer schneiden Schneisen in die Dunkelheit, und nichts deutet zunächst auf das Unheil hin, das sich zusammenbraut. Als er die junge Anhalterin Anna am Straßenrand entdeckt und sie kurzerhand vor einem unbekannten Verfolger in Sicherheit bringt, ahnt er nicht, welche Lawine er damit auslöst. Der Highway Killer, ein Mörder ohne Namen und ohne erkennbares Gesicht, fühlt sich durch diese Einmischung provoziert, und aus einer zufälligen Begegnung wird eine Hetzjagd, die sich über die gesamte Spieldauer zieht.

Die Grundidee ist bewusst schlank gehalten. Kein verschachteltes Figurenensemble, keine über mehrere Zeitebenen verteilte Handlung, sondern eine geradlinige, fast schon minimalistische Versuchsanordnung: zwei Menschen, eine Straße, ein Verfolger. Diese Reduktion erweist sich als kluger Kunstgriff, denn sie erlaubt es der Inszenierung, sich voll und ganz auf Atmosphäre und Tempo zu konzentrieren, anstatt sich in Nebenschauplätzen zu verlieren. Der kurze Zwischenstopp an einem Diner, an dem sich Jonas und Anna eine Tasse Kaffee gönnen, wird so zum Wendepunkt der ganzen Erzählung, zu jenem Moment, an dem das vermeintlich normale Leben endgültig aus den Fugen gerät.

Von diesem Punkt an nimmt die Geschichte Fahrt auf, im wörtlichen wie im übertragenen Sinn. Die Nacht scheint kein Ende zu finden, die Flucht wird zur Dauerschleife aus Angst, Adrenalin und kurzen Atempausen, in denen sich die Hörenden fragen dürfen, ob es tatsächlich ein Entkommen gibt. Besonders reizvoll gestaltet sich dabei die Frage, warum der eigentlich sehr besonnene und analytisch denkende Jonas den Mörder trotz aller Cleverness nicht abschütteln kann. Diese Unauflösbarkeit, dieses Gefühl, gegen eine Naturgewalt statt gegen einen einzelnen Menschen anzukämpfen, gehört zu den stärksten Momenten der Episode.

Zwischen Unschuld und Täuschung

Ein Roadmovie lebt von seinen Reisebegleitern, und Anna ist in dieser Hinsicht weit mehr als nur schmückendes Beiwerk. Zunächst tritt sie als naive, verletzliche Anhalterin auf, als jemand, der Schutz braucht und Mitgefühl weckt. Doch je weiter die Nacht voranschreitet, desto deutlicher wird, dass hinter dieser Fassade noch etwas anderes lauert. Die Autorenschaft spielt geschickt mit der Erwartungshaltung des Publikums, lässt Zweifel keimen, ohne sie sofort aufzulösen, und schafft damit eine zweite Spannungsebene, die neben der offensichtlichen Verfolgungsjagd verläuft. Wer am Ende wirklich wer ist und welche Motive tatsächlich im Spiel sind, bleibt bis in die letzten Minuten ein Fragezeichen, das die Geschichte über die reine Ballerbude eines Slasher-Plots hinaushebt.

Gerade dieser doppelte Boden ist es, der Highway Killer von vielen vergleichbaren Stoffen unterscheidet. Statt sich mit der simplen Konstellation Opfer gegen Monster zufriedenzugeben, wird ein Dreiecksverhältnis aus Verfolgtem, vermeintlicher Verbündeter und Verfolger aufgebaut, das immer wieder neu tariert werden muss. Wer Vertrauen schenkt, begeht in dieser Welt möglicherweise einen fatalen Fehler, und genau diese Unsicherheit treibt die Handlung über weite Strecken voran.

Ein Mörder ohne Gesicht

Der titelgebende Highway Killer selbst bleibt bewusst vage gezeichnet. Kein tragisches Vorleben wird ausgebreitet, keine psychologische Fallstudie geliefert, die sein Handeln erklären würde. Stattdessen bleibt er eine Bedrohung aus dem Dunkeln, eine Stimme, ein Schatten, ein Motor, der sich im Rückspiegel nähert. Dieses Vorgehen erinnert an klassische Slasher-Erzählungen, in denen der Täter weniger als vielschichtiger Charakter denn als personifizierte Gefahr fungiert, der man sich nicht durch Verständnis, sondern nur durch Flucht oder Gegenwehr entziehen kann.

Für manche Hörgewohnheiten mag genau das ein Wermutstropfen sein, denn wer sich eine tiefere Auseinandersetzung mit dem Warum erhofft, wird enttäuscht. Die Folge interessiert sich weniger für die Frage, weshalb aus einem Menschen ein Mörder wurde, sondern vielmehr dafür, wie sich das nackte Überleben in einer einzigen, endlosen Nacht anfühlt. Wer diese Herangehensweise akzeptiert und sich nicht an fehlender Tiefenpsychologie stört, findet in der Kargheit der Täterzeichnung durchaus einen eigenen Reiz, weil die Bedrohung dadurch universeller und weniger greifbar wird.

Die Hand hinter dem Lenkrad

Hinter den Kulissen zeichnet sich für das Buch Erik Albrodt verantwortlich, ein Name, der innerhalb der Hörspielszene längst mit einer bestimmten erzählerischen Handschrift verbunden wird. Wer seine Arbeiten in anderen Reihen des Labels verfolgt hat, wird auch in Highway Killer vertraute Muster wiedererkennen: eine Vorliebe für klar umrissene Bedrohungsszenarien, für Figuren, die unter extremem Druck ihren wahren Charakter offenbaren, und für ein Erzähltempo, das selten zur Ruhe kommt. Diese Konstanz mag für Vielhörerinnen und Vielhörer ein zweischneidiges Schwert sein, denn wer bereits andere Produktionen mit dieser Feder kennt, wird gewisse Wiederholungen im Aufbau bemerken. Für alle anderen bietet genau diese Verlässlichkeit jedoch eine angenehme Orientierung, ein Gefühl, sich auf bekanntem, gut erzähltem Terrain zu bewegen.

Regie, Produktion und Schnitt liegen in den Händen von Christoph Piasecki, der die Folge mit sichtbarem Gespür für Timing inszeniert. Besonders im Umgang mit Pausen zeigt sich handwerkliches Können. Immer wieder lässt die Regie kurze Momente der Stille zu, bevor die nächste Bedrohung einsetzt, und genau in diesen Sekunden der scheinbaren Ruhe entsteht ein Großteil der Anspannung. Wer zu schnell von einem Schockmoment zum nächsten hetzt, verliert häufig die Wirkung beider Momente. Piasecki vermeidet diesen Fehler weitgehend und lässt der Geschichte den nötigen Raum zum Atmen, auch wenn dieser Atem meist flach und gehetzt bleibt.

Für Sounddesign und Mastering zeichnet ebenfalls Erik Albrodt verantwortlich, eine Doppelrolle, die in der Branche nicht unüblich ist, aber doch verdeutlicht, wie sehr die gesamte Klangwelt der Folge aus einer einzigen kreativen Feder stammt. Diese Einheitlichkeit zwischen Text und Klanggestaltung erklärt möglicherweise, warum sich Dialog und Geräuschebene so nahtlos ineinanderfügen, ohne dass eine Ebene die andere dominiert oder stört.

Ein Cover, das schon warnt

Auch die visuelle Gestaltung, verantwortet von Alexander von Wieding, verdient an dieser Stelle Erwähnung, obwohl es sich naturgemäß um ein Hörmedium handelt. Das Coverdesign transportiert bereits vor dem ersten Ton eine klare Stimmung: nächtliches Dunkel, die Andeutung einer leeren Straße, ein Gefühl von Bedrohung, das ohne plakative Gewaltdarstellung funktioniert. Für ein Genre, das schnell in reißerische Bildsprache abgleiten kann, ist diese zurückhaltende, atmosphärisch dichte Gestaltung eine kluge Entscheidung, die sich nahtlos in die eher subtile Machart der eigentlichen Klanginszenierung einfügt.

Stimmen aus der Nacht

Tragende Säule jeder Hörspielproduktion bleibt naturgemäß die Besetzung, und hier zeigt sich Contendo Media von seiner gewohnt zuverlässigen Seite. Dirk Hardegen leiht Jonas seine Stimme und verleiht der Figur genau jene Mischung aus Nervosität und rationaler Selbstkontrolle, die den Charakter glaubwürdig macht. Sein Vortrag bleibt stets nachvollziehbar, nie überzogen, was gerade in einer Geschichte, die viel mit Angst und Erschöpfung arbeitet, keine Selbstverständlichkeit ist.

An seiner Seite überzeugt Ilona Otto als Anna mit einer Darstellung, die zwischen kindlicher Verlorenheit und kalkulierter Undurchsichtigkeit changiert. Genau diese Ambivalenz im Ton macht die Figur so interessant, denn man hört ihr an, dass unter der Oberfläche mehr verborgen liegt, ohne dass die Sprecherin dabei zu offensichtlich wird und die spätere Wendung verrät.

Peter Lontzek gibt dem namenlosen Unbekannten eine Präsenz, die vor allem durch Zurückhaltung wirkt. Wenige Worte, viel Andeutung, ein Timbre, das unter die Haut geht, ohne dabei ins Klischeehafte eines übertrieben grollenden Bösewichts abzudriften. Annette Gunkel als Melissa, Joseline Gassen als Bedienung im Diner, Hanno Friedrich als Autofahrer, Robin Brosch als Polizist und Martin Sabel als Nachrichtensprecher füllen die kleineren Rollen solide aus und tragen zur Glaubwürdigkeit der akustischen Welt bei, auch wenn ihnen naturgemäß weniger Raum zur Entfaltung bleibt.

Klang, der unter die Haut geht

Was diese Produktion besonders auszeichnet, ist die konsequente Umsetzung des Roadmovie-Gedankens in reine Klangsprache. Wo ein Film mit weiten Landschaftsaufnahmen, mit dem Flimmern der Scheinwerfer auf nassem Asphalt oder mit schnellen Schnitten arbeiten würde, muss ein Hörspiel all diese Eindrücke über Geräusche und Effekte erzeugen. Und genau das gelingt Highway Killer auf beeindruckende Weise. Das Sounddesign zeichnet den Highway als lebendigen, fast schon organischen Raum, in dem jedes Motorengeräusch, jedes Aufheulen der Reifen und jedes ferne Hupen zur Bedrohung werden kann.

Besonders reizvoll ist dabei, wie die Klanggestaltung Nähe und Distanz simuliert. Ein Fahrzeug, das sich von hinten nähert, wird zunächst nur als leises Grundrauschen wahrgenommen, wächst sich dann zu einem bedrohlichen Motorenlärm aus und verschwindet im entscheidenden Moment wieder, um kurz darauf erneut aufzutauchen. Diese akustische Dramaturgie erzeugt ein Gefühl von Verfolgung, das rein visuellen Medien in dieser Form kaum möglich wäre, weil das Ohr, anders als das Auge, keine Kontrolle über den eigenen Wahrnehmungsraum besitzt. Man hört die Gefahr kommen, lange bevor man weiß, aus welcher Richtung sie sich nähert, und genau diese Ungewissheit erzeugt eine physische Anspannung, die sich über weite Strecken der Spielzeit hält.

Musik, die das Blut gefrieren lässt

Die musikalische Untermalung, komponiert von Michael Donner und Konrad Dornfels, fügt sich passgenau in dieses Klanggerüst ein. Statt auf plakative Schockeffekte zu setzen, arbeitet die Musik meist mit langgezogenen, drohenden Flächen, die sich langsam aufbauen und selten in einer klassischen Erlösung enden. Diese Zurückhaltung passt zum Gesamtkonzept der Folge, die ebenfalls kaum echte Verschnaufpausen gewährt. Immer wieder schleicht sich unter die Dialoge ein leiser musikalischer Unterton, der die Bedrohung auch dann präsent hält, wenn die Handlung selbst kurz zur Ruhe kommt.

Gerade in den Verfolgungssequenzen zeigt sich die Stärke dieser Kompositionen. Rhythmische Elemente, die an das gleichmäßige Stampfen eines Motors erinnern, verschmelzen mit dissonanten Klangflächen zu einem Sog, der die Spannung kontinuierlich hochhält, ohne sie durch zu plakative Mittel zu verschleißen. Wer Hörspiele vor allem wegen ihrer atmosphärischen Dichte schätzt, findet in dieser musikalischen Arbeit einen der stärksten Bausteine der gesamten Produktion.

Tempo und Tücke

In dramaturgischer Hinsicht setzt Highway Killer auf eine erfrischend geradlinige Erzählweise. Statt mit Rückblenden oder Perspektivwechseln zu arbeiten, bleibt die Handlung nahezu durchgehend chronologisch und folgt konsequent dem nächtlichen Fluchtweg von Jonas. Diese Linearität sorgt für einen hohen Sog, weil kaum Zeit für Verschnaufpausen bleibt und jede neue Szene unmittelbar an die vorherige Bedrohung anschließt.

Zugleich bringt genau diese Geradlinigkeit auch eine gewisse Vorhersehbarkeit mit sich. Wer viele Hörspiele oder Filme dieses Genres kennt, wird die grobe Richtung der Auflösung bereits erahnen können, lange bevor die Geschichte selbst sie offenlegt. Der berühmte Aha-Moment, jener Punkt, an dem sich alle losen Fäden schlagartig zu einem stimmigen Bild zusammenfügen, bleibt daher eher verhalten. Die Reise selbst, das Gefühl von Tempo, Gefahr und beklemmender Enge, wiegt diesen kleinen dramaturgischen Wermutstropfen jedoch weitgehend auf.

Einige Längen lassen sich dennoch nicht vollständig verleugnen. Bestimmte Verfolgungspassagen wiederholen im Kern ein ähnliches Muster aus Flucht, kurzer Verschnaufpause und erneuter Bedrohung, ohne dass sich die Grundsituation dabei wesentlich weiterentwickelt. Für eine Episode von etwas mehr als einer Stunde Spielzeit bleibt das verkraftbar, weckt aber zugleich die Frage, ob das Konzept auch über eine noch größere Spielzeit hinweg tragfähig gewesen wäre.

Ein Vergleich der Blutspuren

Wer die anderen Reihen aus dem Hause Contendo Media kennt, wird unweigerlich Vergleiche ziehen, insbesondere zu den etablierten Horror Tales, die seit Jahren mit übernatürlichen Schrecken und einer eigenen, mittlerweile fest verwurzelten Fangemeinde arbeiten. Murder Tales positioniert sich bewusst als weltlicheres Pendant dazu, als Reihe, in der nicht Dämonen oder Geister, sondern ganz reale menschliche Abgründe die Bedrohung darstellen. Diese Abgrenzung ist grundsätzlich sinnvoll und verspricht Abwechslung innerhalb des Gesamtprogramms.

Im direkten Vergleich zeigt sich jedoch, dass die neue Reihe zunächst noch ein eigenes, unverwechselbares Profil entwickeln muss. Wo die Horror Tales über die Jahre eine sehr spezifische, morbide Bildsprache und einen wiedererkennbaren erzählerischen Ton kultiviert haben, wirkt Highway Killer eher wie eine solide, aber austauschbare Variation eines bekannten Slasher-Musters, ähnlich den einschlägigen Filmklassikern des Genres, bei denen ebenfalls weniger das Warum als das nackte Überleben im Vordergrund steht. Das ist keineswegs ein Makel, denn handwerklich bewegt sich die Folge auf einem hohen Niveau, doch die ganz eigene Stimme, jenes unverkennbare Etwas, das eine neue Reihe von Anfang an unverwechselbar macht, muss sich über weitere Episoden erst noch herausbilden.

Schatten im Rückspiegel

Besonders spannend ist die Beobachtung, wie sehr die Episode mit der Frage von Kontrolle und Kontrollverlust spielt. Jonas gilt zu Beginn als besonnener, rational denkender Charakter, jemand, der Situationen einschätzen und Entscheidungen mit kühlem Kopf treffen kann. Genau diese Eigenschaft wird im Laufe der Nacht immer wieder auf die Probe gestellt, denn gegen eine Bedrohung, die sich weder durch Logik noch durch Verhandlung aufhalten lässt, verliert Rationalität zunehmend an Wert. Diese Erosion der Kontrolle, dieses langsame Abrutschen von planvollem Handeln in pure Instinktreaktion, gehört zu den psychologisch interessantesten Aspekten der Erzählung, auch wenn sie nie explizit ausformuliert, sondern nur über Tonfall und Tempo der Dialoge vermittelt wird.

Auch die Rolle der Polizei, verkörpert durch Robin Brosch, fügt der Geschichte eine weitere Ebene hinzu. Die Ohnmacht offizieller Institutionen gegenüber einem Täter, der sich im Schutz der Nacht und der Weite des Highways bewegt, unterstreicht das Gefühl von Isolation, das die gesamte Folge durchzieht. Hilfe von außen erscheint stets nur als vage Möglichkeit, niemals als verlässliche Gewissheit, was die Anspannung zusätzlich erhöht.

Zwischen Klischee und Kunstgriff

Natürlich lässt sich nicht jede Entscheidung der Produktion über jeden Zweifel erheben. Bestimmte Genrekonventionen, etwa die Figur der geheimnisvollen Anhalterin oder der maskierte, wortkarge Verfolger, wurden bereits unzählige Male erzählt, und Highway Killer versucht nur bedingt, sich davon zu emanzipieren. Wer mit den Grundmustern des Genres bereits vertraut ist, wird wenig wirklich Neues entdecken. Die Auflösung selbst, jener Moment, an dem sich die wahren Verhältnisse offenbaren, wirkt für aufmerksame Hörerinnen und Hörer bereits deutlich vor dem eigentlichen Höhepunkt absehbar, was einen Teil der Spannung im letzten Drittel etwas verpuffen lässt.

Auch kleine handwerkliche Stolpersteine bleiben nicht ganz aus. Vereinzelte Ausspracheentscheidungen bei bestimmten Begriffen wirken im Kontext etwas unglücklich gewählt und reißen kurz aus der sonst dichten akustischen Illusion heraus. Solche Details fallen naturgemäß nur bei sehr genauem Hinhören auf, trüben aber in Summe kaum den positiven Gesamteindruck, den die Folge hinterlässt.

Positiv hervorzuheben ist dagegen, wie geschickt die Produktion mit den begrenzten erzählerischen Mitteln einer einzelnen Hörspielepisode umgeht. Statt zu viele Figuren und Handlungsstränge einzuführen, konzentriert man sich konsequent auf die zentrale Dreieckskonstellation und lässt der Bedrohung dadurch genügend Raum, sich vollständig zu entfalten. Diese erzählerische Disziplin verdient Anerkennung, gerade weil sie in einem Genre, das gerne zu Überladung tendiert, keineswegs selbstverständlich ist.

Im Schatten großer Vorbilder

Wer sich intensiver mit dem Slasher-Genre auseinandergesetzt hat, wird in Highway Killer unweigerlich Anklänge an bekannte filmische Vorbilder entdecken. Die Grundkonstellation aus einer nächtlichen Verfolgung, einem maskierten oder zumindest gesichtslosen Täter und einer Gruppe junger Menschen, die sich plötzlich in Lebensgefahr befinden, erinnert an eine ganze Tradition amerikanischer Genrefilme, in denen ebenfalls selten das Motiv, sondern vor allem die schiere Präsenz der Gefahr im Zentrum steht. Diese Nähe zu bekannten Vorbildern ist weder überraschend noch problematisch, solange die eigene Umsetzung genügend eigenständige Akzente setzt.

Genau hier zeigt sich die eigentliche Herausforderung, vor der eine neue Reihe wie Murder Tales steht. Ein Genre, das seit Jahrzehnten intensiv bespielt wird, bietet kaum noch völlig unverbrauchte erzählerische Wege. Umso wichtiger wird die Frage, wie ein bekanntes Muster durch Details, durch Tonfall und durch mediale Eigenheiten neu belebt werden kann. Highway Killer gelingt dies am überzeugendsten dort, wo die Produktion die spezifischen Möglichkeiten des Hörspiels ausspielt, etwa in der bereits erwähnten akustischen Verfolgungsdramaturgie, die ein rein visuelles Medium in dieser Form kaum leisten könnte. Weniger überzeugend bleibt die Folge dort, wo sie sich zu eng an bekannte Handlungsschablonen hält, ohne diese durch eine überraschende Wendung oder einen ungewöhnlichen erzählerischen Winkel zu brechen.

Bemerkenswert ist in diesem Zusammenhang auch die Tonlage der Folge. Anders als manche Vertreter des Genres, die sich zunehmend selbstironisch oder augenzwinkernd mit ihren eigenen Klischees auseinandersetzen, bleibt Highway Killer durchgehend ernst. Kein humoriger Seitenhieb, kein Bruch der vierten Wand, keine überzogene Übertreibung, die das Geschehen ins Comichafte kippen lässt. Diese konsequente Ernsthaftigkeit erhöht die Wirkung der bedrohlichen Momente, nimmt der Folge aber auch eine gewisse Leichtigkeit, die manche Hörerinnen und Hörer möglicherweise vermissen werden.

Ein Diner am Rande der Finsternis

Ein besonders atmosphärisch dichter Moment der Folge findet sich im kurzen Zwischenstopp am Diner, jenem scheinbar sicheren Hafen inmitten der nächtlichen Bedrohung. Gerade weil dieser Ort zunächst als Zone der Erholung inszeniert wird, als Gegenpol zur Dunkelheit des Highways, entfaltet der spätere Bruch dieser Illusion umso größere Wirkung. Das leise Klirren von Geschirr, das gedämpfte Gespräch im Hintergrund, das Summen einer Kühltruhe, all diese kleinen Klangdetails erzeugen ein Gefühl von Normalität, das sich als trügerisch erweist. Solche Szenen zeigen, wie viel Sorgfalt in die kleinen, scheinbar nebensächlichen Momente der Produktion geflossen ist, und wie sehr gerade diese Details zur Gesamtwirkung beitragen.

Stimmen aus der Fangemeinde

Innerhalb der Hörspielgemeinde wurde die erste Folge von Murder Tales mit gemischten, aber überwiegend interessierten Reaktionen aufgenommen. Ein wiederkehrendes Thema in den Diskussionen betrifft die Frage, ob eine gänzlich neue Reihe für dieses Stoffgebiet überhaupt nötig gewesen wäre oder ob sich das Thema Serienmord nicht ebenso gut innerhalb einer bereits bestehenden Reihe hätte unterbringen lassen. Manche Stimmen wünschten sich für ein derart erdverbundenes, auf realistische Gewalt ausgerichtetes Format eine noch schärfere, kompromisslosere Tonlage, während andere gerade die vorsichtige Balance zwischen Spannung und Zugänglichkeit als angenehm empfanden.

Auffällig ist zudem, dass ein Teil des Publikums die Auflösung der zentralen Frage rund um die Figur Anna bereits sehr früh in der Handlung erahnte, teilweise schon zum Zeitpunkt des Aufenthalts am Parkplatz vor dem Diner. Diese Vorhersehbarkeit wurde in Hörerkreisen unterschiedlich bewertet. Für die einen schmälerte sie den Überraschungseffekt im letzten Drittel erheblich, für die anderen trat dadurch ein anderes Vergnügen in den Vordergrund, nämlich die Beobachtung, wie geschickt oder eben weniger geschickt die Figuren selbst auf ihrem Weg zur Wahrheit agieren.

Ein kleines, aber immer wieder erwähntes Detail betrifft die Aussprache bestimmter Fachbegriffe im Zusammenhang mit einer in der Handlung verwendeten Waffe. Solche Kleinigkeiten mögen im Gesamtbild einer über eine Stunde langen Produktion verschwindend gering erscheinen, wurden in der Community aber mit einer gewissen Häufigkeit thematisiert, was zeigt, wie genau ein aufmerksames Publikum auch scheinbar nebensächliche Details registriert.

Insgesamt lässt sich aus den vorliegenden Reaktionen ablesen, dass Highway Killer als solide, aber noch nicht restlos überzeugende Visitenkarte einer neuen Reihe wahrgenommen wird. Der Wunsch nach einem eigenständigeren Profil, nach einer noch klareren Abgrenzung zu den etablierten Horror Tales, klingt in vielen Wortmeldungen an. Zugleich überwiegt die grundsätzliche Bereitschaft, der Reihe weitere Folgen zuzugestehen und die Entwicklung über einen längeren Zeitraum zu beobachten, bevor ein abschließendes Urteil gefällt wird.

Der Klang der Angst im Detail

Ein genauerer Blick auf einzelne Klangebenen offenbart, wie viel Mühe in die Feinabstimmung der akustischen Welt geflossen ist. Die Fahrgeräusche unterscheiden sich je nach Fahrzeugtyp und Geschwindigkeit hörbar voneinander, das Rauschen des Windes verändert sich mit dem geöffneten oder geschlossenen Fenster, und selbst das Knirschen von Reifen auf unterschiedlichen Straßenoberflächen wurde offenbar mit Sorgfalt eingearbeitet. Solche Details mögen bei einmaligem Hören kaum bewusst auffallen, tragen aber in ihrer Summe erheblich zur Glaubwürdigkeit der gesamten akustischen Illusion bei.

Auch die Verwendung von Stille verdient besondere Aufmerksamkeit. Statt die gesamte Spielzeit mit durchgehender musikalischer oder geräuschhafter Untermalung zu füllen, gönnt sich die Produktion immer wieder kurze Momente fast vollständiger Stille, unterbrochen nur vom Atem der Figuren oder dem fernen Rauschen des Windes. Diese bewusst eingesetzten Leerstellen wirken in einem Genre, das gerne auf durchgehende akustische Reizüberflutung setzt, fast schon wohltuend und verstärken die Wirkung der nachfolgenden lauten, bedrohlichen Momente umso mehr.

Fahrt durch die Finsternis

Am Ende bleibt der Eindruck einer Folge, die ihr Konzept mit großer Konsequenz umsetzt und handwerklich auf einem Niveau agiert, das man von Contendo Media inzwischen erwartet. Die Sprecherinnen und Sprecher liefern durchweg solide bis herausragende Leistungen, das Sounddesign erschafft einen packenden akustischen Raum, und die musikalische Untermalung unterstützt die Bedrohung, ohne sich in den Vordergrund zu drängen. Die Geschichte selbst bewegt sich dabei bewusst im Rahmen bekannter Genremuster und wagt wenig echte Überraschungen, was den Gesamteindruck zwar nicht zerstört, aber auch keine bleibenden neuen Maßstäbe setzt.

Für Liebhaberinnen und Liebhaber klassischer Verfolgungsgeschichten, für alle, die sich gerne von einer nicht enden wollenden Nacht auf einem einsamen Highway mitreißen lassen, bietet Highway Killer über eine gute Stunde Spielzeit kompakte, dicht inszenierte Unterhaltung. Wer sich hingegen tiefere psychologische Abgründe oder eine gänzlich neue erzählerische Perspektive auf das Thema Serienmord erhofft, wird an dieser Stelle eher auf seine Kosten kommen, wenn er die Folge als das nimmt, was sie sein will: ein solide gebautes, atmosphärisch überzeugendes Genrestück, das den Auftakt einer neuen Reihe markiert und noch reichlich Raum für Weiterentwicklung lässt.

Ausblick auf kommende Nächte

Als erste Episode einer neuen Reihe erfüllt Highway Killer seine wichtigste Funktion durchaus: Sie weckt Neugier auf weitere Fälle, auf neue Schauplätze und neue Formen menschlicher Abgründe, die in den kommenden Folgen von Murder Tales sicherlich noch aufgegriffen werden. Die Grundidee einer Anthologie, in der jede Episode für sich steht und dennoch demselben düsteren Grundton folgt, bietet viel Potenzial für thematische Vielfalt, ohne dabei den roten Faden des Labels zu verlieren.

Ob sich die Reihe langfristig neben den etablierten Horror Tales behaupten kann, wird sich erst mit weiteren Episoden zeigen. Der Auftakt jedenfalls liefert das notwendige Fundament: eine spannende Grundidee, überzeugende Sprecherleistungen, ein packendes Sounddesign und eine Musik, die genau die richtige Menge an Bedrohung ins Ohr trägt. Wer sich einmal auf diesen nächtlichen Highway begibt, wird die Fahrt so schnell nicht wieder vergessen, auch wenn sie am Ende vielleicht keine völlig neuen Wege einschlägt, sondern die altbekannte Straße mit spürbarer Hingabe neu asphaltiert.

Bleibt am Ende die Frage, für wen sich dieser nächtliche Ausflug besonders lohnt. Wer bereits ein Herz für die klassischen Verfolgungsgeschichten des Genres entwickelt hat, für jene Erzählungen, in denen eine einzelne Nacht über Leben und Tod entscheidet, findet in Highway Killer eine solide, mit sichtbarer Hingabe produzierte Bestätigung dieser Vorliebe. Wer hingegen mit dem Genre bislang wenig anfangen konnte, wird durch diese erste Folge kaum bekehrt werden, da sie sich bewusst innerhalb vertrauter Grenzen bewegt, anstatt neue Hörerschichten mit gänzlich unerwarteten Wendungen zu überraschen.

Für die Zukunft der Reihe bleibt zu wünschen, dass die kommenden Fälle den bereits angelegten doppelten Boden weiter ausbauen, die Zeichnung der Täterfiguren um zusätzliche Facetten erweitern und den eigenen, noch jungen Ton mit jeder weiteren Episode ein Stück schärfer konturieren. Die Grundlagen dafür, das zeigt bereits dieser erste nächtliche Ritt über den Highway, sind zweifellos vorhanden. Es liegt nun an den kommenden Folgen, aus einem soliden Auftakt eine Reihe mit eigenem, unverwechselbarem Gesicht zu formen, die sich nicht länger im Schatten der älteren Geschwister bewegen muss, sondern ihren festen Platz im dunklen Kosmos von Contendo Media selbstbewusst behauptet.

Für das Interview mit Tobias Jawtusch wollte ich nicht bei den üblichen Standardfragen hängen bleiben. Mich interessiert vor allem das Handwerk hinter Hörspielen: Wie entsteht Kopfkino ohne Bild, wie werden Figuren allein über Stimme und Rhythmus greifbar, und wann merkt man beim Schreiben, dass eine Idee akustisch wirklich trägt. Tobias Jawtusch gehört für mich zu den Autoren, bei denen genau dieses Audio-Denken spürbar ist – nicht nur in der Geschichte, sondern auch im Timing, in den Pausen, in der Art, wie Szenen im Ohr funktionieren.

In unserem Gespräch geht es deshalb um seinen Weg zum Schreiben, um Routinen, Zweifel und diese Momente, in denen aus Text plötzlich echtes Studio-Leben wird. Wir sprechen darüber, wie er Dialoge baut, wie wichtig Sound und Atmosphäre für ihn sind, wo er bewusst Informationen zurückhält – und wie er es schafft, Orientierung zu geben, ohne alles zu erklären. Kurz: ein Interview für alle, die Hörspiele nicht nur hören, sondern verstehen wollen, warum sie wirken.

Weißt du noch, welches Hörspiel dich als erstes so richtig gepackt hat – und was genau hat damals funktioniert (Stimme, Musik, Atmosphäre, Story)?

Das kann ich relativ genau beantworten: In der 6. Klasse haben wir im Deutschunterricht Die drei ??? – und die Rache des Tigers analysiert. Im Nachhinein vielleicht nicht die beste Einstiegsfolge, aber sie ist mir in Erinnerung geblieben. Bei meinem Schulwechsel habe ich von meiner Klassenlehrerin zum Abschied Die drei ??? – Insektenstachel bekommen. Diese Folge hat mich dann so sehr gepackt, dass ich ein riesiger Drei-Fragezeichen-Fan wurde und immer noch bin.

Natürlich bin ich, wie so viele, auch mit Bibi Blocksberg, Bibi und Tina und Benjamin Blümchen aufgewachsen. Ich habe zwei ältere Schwestern und wir hatten eine wirklich große Kassettensammlung zu Hause. Ich bin also schon sehr früher mit dem Medium Hörspiel in Berührung gekommen.

Was fasziniert dich am Hörspiel als Medium – was kann Audio besser als Buch oder Film?

Eigentlich fasziniert mich alles an dem Medium Hörspiel: die Geräusche, die Musik und die Sprecherinnen und Sprecher. Schon als Kind habe ich selbst Hörspiele geschrieben und meine Verwandten mehr oder weniger gezwungen, diese einzusprechen. Natürlich habe ich auch die entsprechenden Geräusche selbst gemacht.

Ein Hörspiel ist für mich wie ein Film im Kopf. Du hast die verschiedenen Stimmen, die Geräusche und der Rest wird deiner Fantasie überlassen. Du kannst einfach die Augen zu machen, lauschen und deinen Gedanken freien Lauf lassen. Das ist vor allem der Unterschied zu Filmen. Ich liebe es auch Filme zu gucken, aber hier fehlt der Part, in dem die eigene Fantasie übernimmt.

Beim Lesen von Büchern können natürlich auch Bilder im Kopf entstehen, aber hier fehlen die Geräusche und Stimmen. Wenn man ein Buch liest, zumindest geht es mir so, kann man sich nicht komplett fallen lassen. Bei einem Hörspiel hingegen kann man runterkommen und eben eventuell auch einschlafen (wie ich oft abends) – beim Lesen eines Buchs ist das schwierig.

Gibt es bei dir so ein typisches Jetzt hab ich’s!-Signal: Woran merkst du, dass eine Idee als Hörspiel wirklich trägt und nicht nur als Plot-Skizze?

Wenn eine Idee in meinem Kopf hängen bleibt und ich länger darüber nachdenke, vielleicht sogar eine Nacht darüber schlafe, mir zu dieser einen Idee nach und nach noch mehr Ideen kommen, dann setz ich mich hin und schreibe einen Pitch. Davon habe ich hier übrigens dutzende liegen. Und wenn der Pitch mich überzeugt, plotte ich. Das heißt, ich unterteile den Pitch in verschiedene Szenen, schreibe die Charaktere auf und gebe ihnen Namen. Und wenn das passiert ist, ist aus der Plot-Skizze etwas geworden, was ein Hörspiel trägt.

Wenn du ein neues Projekt beginnst: Was ist dein Nordstern – Figur, Thema, Mystery, Atmosphäre oder Rhythmus?

Mein Nordstern ist für jedes Projekt unterschiedlich, hier kann ich anhand meiner bisher erschienen Hörspiele ein paar Beispiele nennen.

Für die Folge Insel-Krimi – 40 – Juists verlorene Seelen, war mir de Atmosphäre besonders wichtig. Da stand das Hotel als Handlungsort im Mittelpunkt und alles andere entwickelte sich drumherum.

Bei Küstenmorde – 4 – Geheimnisse von Cuxhaven ging es mir vor allem um die Figur der Kommissarin. Hier hatte ich als erstes eine gebrochene Gestalt im Kopf, die am Ende völlig austickt. Und daraus entwickelte sich der Rest.

Bei Shadow Chasers – 5 – Die Spur der verlorenen Schatten wollte ich hingegen ein Mystery-Abenteuer erschaffen, dass eine nostalgische Energie verspürt. Das Thema war Zirkus und der Reste entwickelte sich daraus.

Hingegen bei Dark Game waren als erste Idee die Figuren im Vordergrund, die reichen Schnösel, die sich benehmen, als gehöre ihnen die Welt.

Der Rhythmus entwickelt sich dann jeweils aus dem Themenschwerpunkt. Liegt das Thema z.B. bei der Figur der Kommissarin, werden ihre Szenen ausführlicher. Liegt der Schwerpunkt auf der Geschichte, zum Beispiel einem Mord, geht es eher um die Verdächtigen.

Was ist für dich der Kern eines wirklich guten Hörspiel-Dialogs – und woran merkst du sofort, dass ein Dialog nicht funktioniert?

Ein wirklich guter Hörspieldialog zieht dich in die Szene mit rein, du lauschst gerne den Figuren, die dort sprechen, du hast das Gefühl dabei zu sein, weil es sich echt anfühlt. Das können auch mal längere Monologe sein, die was erklären, oder verquere Sätze (keiner von uns spricht immer perfekt), solange sich die Figuren lebendig anfühlen.

Ein Dialog funktioniert dann nicht, wenn er dich aus der Szene holt. Ein sehr plakatives Beispiel: Da auf der anderen Straßenseite ist ein Mann mit einer schwarzen Jacke und Sonnenbrille, er guckt böse zu uns, der scheint uns zu beobachten. Das ist natürlich ein etwas übertriebenes Beispiel, aber ich denke daran kann man es gut festmachen. Solche oder ähnliche Sätze ziehen mich immer aus der Welt raus, denn so spricht niemand. Es ist eben nicht echt.

Und ein Dialog, der nur dazu dient die Handlung voranzutreiben und dabei die Charaktereigenschaften der Figuren nicht berücksichtigt, ist ebenfalls etwas, das für mich nicht funktioniert.

Wie sorgst du dafür, dass Figuren stimmlich unterscheidbar sind, ohne dass jede Rolle zur Karikatur wird?

Das sind kleine Nuancen. Bei den Shadow Chasers zum Beispiel spricht Ruby länger, bestimmender, Matt hingegen stellt mehr Fragen, während Gregory manchmal eher kurze Antworten gibt.

Bei Outer Space hingegen geht auch viel über Emotionen: Captain Sara Rockwell würde den gleichen Satz ganz anders sagen als Al Metthews. Das heißt, ich schreibe dazu in welcher Emotion ein Satz gesprochen wird.

Natürlich sprechen die Figuren in Outer Space komplett anders als bei Fantasy Tales – Das Juwel des finsteren Herrschers, aber eigentlich versuche ich zu vermeiden, Figuren einen Duktus zu geben, nur damit sie sich unterscheiden – weil sie eben genau dadurch zu Karikatur werden. Kleinere Unterschiede im Satzbau reichen völlig aus. Ein Politiker spricht ausschweifender, ein Professor ausdrucksstärker mit Fachwörtern und Wig Kina (Outer Space), spricht halt wie jemand der unter Piraten aufgewachsen ist, in einer fernen Zukunft: direkter, schmutziger, weniger belesen.

Welche Szenearten sind im Hörspiel am schwierigsten (Action, große Gruppen, Ortswechsel, leise Intimität) – und wie löst du das?

Ich persönlich finde Actionszenen immer etwas schwierig. Deswegen schreibe ich so wenig davon. *Zwinker* Nur ein Witz.

Actionszenen finde ich deswegen schwierig, weil weniger gesprochen wird – hier geht viel über Geräusche und Regieanweisungen (stöhnen, ächzen etc.). Und da muss ich mich halt am Ende auf die Regie und die Sprecherinnen und Sprecher verlassen, dass die das gut rüberbringen.

Szenenwechsel bzw. Ortswechsel finde ich ehrlich gesagt auch nicht leicht. Oft weiß ich nicht, wie ich eine Szene beenden soll, was ein guter letzter Satz ist, bzw. eine gute Überleitung zur nächsten Szene. Aber irgendwann kommt dann halt ein Satz wie: Lass mal ins Bett gehen und wir beschatten morgen den Eisverkäufer. Oder Wie auch immer, wir gehen jetzt ins Shuttle und verschwinden von diesem Planeten. So oder ähnlich funktioniert das immer, aber manchmal fühlt sich das nicht so organisch an.

Wie planst du Spannung im Audio: arbeitest du eher mit Cliffhangern, Rhythmuswechseln, Perspektivwechseln oder gezielten Informationslücken?

Alles zusammen und immer unterschiedlich. Wie oben geschrieben, habe ich eigentlich immer einen genauen Plan, was in welcher Szene passieren soll. Und das wiederrum hängt von der Geschichte ab.

In Shadow Chasers – 6 – Das Geheimnis des Schriftstellers wissen wir als Zuhörerinnen und Zuhörer genau, wer der Täter ist, während unsere Protagonisten dies nicht wissen. Die Spannung ergibt sich hier daraus, dass wir sie begleiten die Zusammenhänge herauszufinden. Wir bleiben dabei komplett bei den Shadows, die getrieben sind die Wahrheit herauszufinden. Das ganze Hörspiel springt in der ersten Hälfte von Szene zu Szene, um sich dann in der zweiten Hälfte die Zeit zunehmen in einem Gruselhaus eine unheimliche Atmosphäre zu erzeugen.

Planet Eden (da war ich ab Folge 7 beteiligt) und auch die späteren Folgen Outer Space leben hingegen von den Perspektivwechseln und Szenen ohne die Helden. Das macht die Atmosphäre aus.

Die Holy-Krimi-Whodunits (ich habe die Folgen 1, 3, 4 und 5 geschrieben) leben hingegen davon, dass die Zuhörerinnen und Zuhörer Informationslücken haben, die erst im Laufe der Folge gefüllt werden.

Und Cliffhanger, wenn sie denn passen, gehören natürlich auch dazu. Wenn ein Protagonist an einem Abgrund hängt und wir erstmal zu den Antagonisten springen (nur ein fiktives Beispiel), macht das natürlich auch mir beim Schreiben Spaß. Man sollte nur nicht übertreiben.

Wie erlebst du den Moment, wenn dein Text von Sprecherinnen und Sprechern lebendig wird: Überraschen dich Interpretationen, und änderst du danach noch am Skript?

Ich liebe es das fertige Hörspiel zu hören. Ich denke durch die Sprecherinnen und Sprecher wird meine Geschichte erst richtig lebendig. Und ich bin jedes Mal begeistert. Für mich, der immer Hörspiele schreiben wollte, ist es immer noch etwas besonders, das fertige Hörspiel zu hören.

Die Sprecherinnen und Sprecher können einen Text durch ihre Interpretation nochmal wirklich auf ein neues Level heben. Hier habe ich vor allem immer Holy Krimi – 1 – Die Musik der Toten im Kopf. Die Rolle des Adam Coopers war schon von Anfang an als sarkastisch angelegt, aber K. Dieter Klebsch hat noch einmal eins draufgelegt, sodass ich beim Hören einfach mehrfach lachen musste.

Besonders beeindruckt hat mich auch Michael Bideller als Eliah Mortero in Shadow Chasers – 5 – Die Spur der verlorenen Schatten. Wenn er die Geschichte über die Schatten erzählt, macht er das so glaubwürdig und gleichzeitig so mystisch, dass ich gespannt gelauscht habe. Ein großes Highlight.

Manche Figuren hingegen habe ich beim Schreiben komplett anders angelegt, aufgedrehter, jünger, ruhiger … etc. Im Hörspiel klingen sie dann ganz anders – aber übrigens nie schlechter. Ich war bisher immer positiv überrascht.

Ich freue mich auch immer, wenn Sachen noch ergänzt werden. Zum Beispiel bei Shadow Chasers – 3 – Gefangen im Gebirge, wo der letzte Satz noch improvisiert wurde. Oder erneut bei Shadow Chasers – 5 – Die Spur der verlorenen Schatten, in der einer der drei Protagonisten so etwas murmelt wie Vorsicht mein Hintern, das macht eine Szene lebendig und für mich besonders.

Gab es ein Projekt, bei dem du im Produktionsprozess etwas Wichtiges gelernt hast (z. B. über Länge, Tempo, Besetzung, Sound) – und was war das?

Um ehrlich zu sein, könnte ich zu jedem Hörspiel schreiben, was ich im Nachhinein anders hätte machen können. Manche Dialoge und Szenen klingen halt auf dem Papier ganz toll, aber im fertigen Hörspiel fällt mir auf, dass es sie eigentlich nicht gebraucht hätte. Gestraffter funktionieren Hörspiele manchmal besser.

Bei Outer Space viel es mir am Anfang schwer, den Figuren Tiefe zu verleihen. Ich wollte, neben all den großen Abenteuern, auch tiefe emotionale Geschichten erzählen, aber gleichzeitig habe ich die Charaktere nicht laut aussprechen lassen, was sie empfinden.

Das heißt nicht, dass ich die Hörspiele irgendwie schlecht finde, ich denke nur, inzwischen würde ich es anders schreiben. Man könnte also sagen, ich habe dazugelernt.

Worauf dürfen sich Hörer als Nächstes freuen – eher neue Stoffe, neue Formen, oder eine Weiterentwicklung deines bisherigen Stils?

Es werden sowohl bekannte Formate weitergeführt als auch neue Ideen entworfen.

Dieses Jahr kommen noch einige Folgen Shadow Chasers, auf die man sich sehr freuen kann. Das ist einfach eine Serie, die mir besonders am Herzen liegt, weil ich wirklich die ersten Geschichten über die drei mit 15 geschrieben habe. Und ich bin Carsten Hermann (Hermann Media Audiobooks) sehr dankbar, dass er der Serie eine Chance gegeben hat und immer noch daran festhält. Outer Space und Dark Game gehen natürlich ebenfalls weiter.

Auch bei den Tales-Reihen (Contendo Media) wird es hier und da eine Folge von mir geben. Hier freue ich mich besonders auf eine Folge Midnight Tales, bei der mir Christoph Piasecki schon eröffnet hat, dass die Sprecherinnen und Sprecher bei der Aufnahme sehr viel Spaß hatten. Das überträgt sich hoffentlich auf die Folge.

Außerdem hat mich nach der Fertigstellung meines Buches Nimabarios das Abenteuerfieber gepackt, und ich würde in Zukunft gerne mal eine ganz klassische Abenteuerhörspielserie schreiben.

Welche typischen Hörspiel-Fallen siehst du am häufigsten (zu viele Figuren, zu viel Erklärung, fehlende Orientierung) – und wie vermeidest du sie?

Zu viele Figuren, die nicht gut genug erklärt werden. Und dann kommt hinzu, dass manche Stimmen einfach ähnlich klingen. Aber das passiert mir leider auch manchmal. Mein Schwiegervater zum Beispiel meinte, dass er beim ersten Hören Probleme hatte, bei Die Musik der Toten die Figuren zu unterscheiden.

Ich persönlich habe eine Figuren-Obergrenze für mich eingeführt: 12 Figuren pro Hörspiel, ausnahmsweise 14 (aber dann zwei Figuren nur in sehr kleinen Rollen). Bei der Doppelfolge Shadow Chasers (10 und 11) gibt es dann tatsächlich 16 Figuren, aber da es sich auf zwei Folgen verteilt, fand ich das akzeptabel.

Unnötig lange Erklärungen sehe ich ebenfalls häufig. Das muss man, denke ich, irgendwie aufteilen. Reine Erklär-Szenen versuche ich zu vermeiden, indem ich die Protagonisten sich irgendwo noch über eine Nebensächlichkeit unterhalten lasse. Aber manchmal sind sie auch einfach nötig, um die Geschichte zu verstehen.

Wie gehst du mit Kritik um, die speziell Hörspiele betrifft (zu langsam, zu komplex, zu wenig Action)? Was nimmst du davon mit?

Ich liebe das Medium Hörspiel genauso, wie es ist. Aber ja, auch ich finde manche Hörspiele langweilig und zu komplex. Das hat aber auch was mit Geschmack zu tun. Es gibt Hörerinnen und Hörer, die genau diese Komplexität mögen und für die sind diese Hörspiele. Hörspielhörerinnen und Hörer haben unterschiedliche Geschmäcker und für jeden sollte was dabei sein – der Hörspielmarkt in Deutschland ist ja groß genug.  Wer ein Hörspiel als zu langsam und zu komplex empfindet, hat vielleicht bei einem anderen Hörspiel mehr Glück.

Wenn meine Hörspiele kritisiert werden, lese ich das natürlich. Wenn die Kritik sachlich und gut geschrieben ist, gibt sie mir einen Denkanstoß und vielleicht mache ich es das nächste Mal anders. Wenn ich denke Ja, das kann man so sehen, aber ich sehe es halt anders, mache ich es wahrscheinlich das nächste Mal genauso. Meistens ist es so, dass die Kritik, die ich lese in etwa das widerspiegelt, was ich auch denke und was mir auch aufgefallen ist und dann werde ich es eh versuchen anders zu machen.

Insgesamt freue ich mich über positive und negative Kritik, denn beides hilft mir, mich weiterzuentwickeln. Und das ist wichtig.

Wie schreibst du Kino im Kopf: mehr über Sprache, Geräusche, oder über klare Aktionen?

Ich glaube, bei mir ist es Sprache und Geräusche. Wenn die Protagonisten irgendwo im Eiscafé sitzen und sich einfach nur unterhalten, braucht es für mich keine klare Aktion, sondern es reichen mir die Geräusche eines Eiscafés und die dazu passenden Dialoge. Dann habe ich ein Bild im Kopf.

Hast du eine Lieblingsszene aus deiner Arbeit, auf die du handwerklich stolz bist – was genau hast du da gelöst?

Tatsächlich würde ich die von mir erwähnte Szene aus Shadow Chasers – 5 – Die Spur der verlorenen Schatten noch einmal hervorholen. Wenn der Zirkusdirektor über die Schatten spricht, passt die Musik, die Geräusche, die Sprecherleistung und der Dialog einfach perfekt zusammen. Ich sehe den Zirkusdirektor im Zirkuszelt. Ich sehe die Besucherinnen und Besucher, die ihn gebannt angucken, ich sehe die Kinder, die mit großen Augen seinen Worten lauschen. Auf die Szene bin ich wirklich stolz und finde, dass alle Beteiligten da etwas ganz Besonderes erschaffen haben. Beim Schreiben wollte ich schon genau dieses Gefühl erzeugen und habe mir wirklich viel Zeit dafür genommen mir eine Geschichte über die geheimnisvollen Schatten auszudenken.

Wenn du ein Traumprojekt frei planen könntest: welches Setting, welche Besetzung, welcher Sound – und warum genau das?

Ich würde gern mal eine Krimiserie schreiben, in der ein Mordfall über mehrere, sechs oder sieben Folgen, gelöst werden muss. Eine lockere Atmosphäre in einer deutschen Vorstadt, ein bisschen spießig. Und dann eben der Mord. Wir lernen die Vorstädter kennen ihre Eigenarten und fragen uns, was ist hinter der Fassade… wer von diesen Menschen kann den Mord begangen haben.

Eine spezielle Besetzung habe ich nicht im Kopf, aber Andreas Fröhlich darf bei mir alles sprechen 😉.

Wenn es um Sound geht, würde ich als erstes auf Eric Onder de Linden zurückgreifen – ich liebe die Art, wie er die Shadows-Hörspiele mit Leben füllt.

Welche Szene macht dir beim Schreiben am meisten Spaß – und welche ist jedes Mal Arbeit (z. B. Ortswechsel, große Gruppen, Action, leise Momente)?

Ich liebe die leisen Momente, die persönlichen Probleme, die man zu zweit oder dritt besprechen kann: Sara und Al z.B. bei Outer Space. Ich glaube, ich habe fast in jeder Folge eine Szene eingebaut, in der nur die zwei miteinander sprechen.

Was ich auch mag, ist ein Stimmungswechsel innerhalb einer Szene: z.B. wenn eine humorvolle Szene plötzlich ins dramatische wechselt. Hier ist ein gutes Beispiel Holy Krimi – 4 im Netz der Falkensteins eine hochdramatische, düstere Folge. Aber die ersten Szenen sind noch so locker, dass man das gar nicht erwartet. Die Hörerinnen und Hörer zu überraschen, ist auf jeden Fall etwas, was ich wirklich sehr gerne mag.

Am Ende ist es aber so, eigentlich mag ich lockere, humorvolle Szenen am liebsten, in dem ein paar lustige Sprüche gebracht werden und unsere Helden Copsi-Cola trinken (wer Shadow Chasers hört, versteht diesen Insider).

Gibt es etwas, das du heute anders machst als am Anfang: Tempo, Längen, Figurenanzahl, Erzählhaltung?

Kürzen, kürzen, kürzen… Ich versuche bei den Skripten der Hörspiele immer so bei maximal 10.000 Wörter zu bleiben. Das ist für mich die Ideallänge. Das gelingt mir beim ersten Entwurf leider häufig nicht, da ich mich selten kurzfassen kann (siehe die Antworten in diesem Interview 😉)  

Außerdem bin ich deutlich mutiger geworden. Ich probiere auch mal was aus und gucke, ob es funktioniert. Ein Krimi braucht z.B. nicht immer einen Polizisten als Protagonisten. Es kann auch mal der Täter selbst sein.

Ansonsten entwickeln sich meine Texte mit mir. Sie sind ein Ausdruck meiner Gedanken und meiner Art zu schreiben sein. Und da kann sich immer etwas ändern.

Und zum Schluss persönlich: Was soll beim Hörer nach dem Abspann hängen bleiben – eher ein Gefühl, ein Gedanke, ein Schockmoment oder ein Echo der Figuren?

Unterschiedlich.

Bei den Shadows möchte ich immer am Ende wohliges Gefühl erzeugen – es soll alles gut ausgehen, ein bisschen heile Welt – meistens jedenfalls.

Mit Im Netz der Falkensteins wollte ich schon schocken und es sollte nach dem Hörspiel noch ein ungutes Gefühl bleiben – hinter jeder Fassade gibt es einen Abgrund. Aber solche Sachen sind eher die Ausnahme.

Insgesamt will ich natürlich, dass die Figuren in Erinnerung bleiben. Manchmal versuche ein paar Werte zu vermitteln wie zum Beispiel Toleranz oder Menschenrechte. Und ich hoffe, das bleibt vielleicht bei irgendwem haften.

Aber vor allem möchte ich unterhalten. Ich möchte, dass Leute meine Hörspiele hören und dabei eine gute Zeit haben, gebannt davorsitzen, lachen, staunen, vielleicht sogar weinen. Ich muss nicht das perfekte Kunstwerk erschaffen, das von auserwählten Kritikern in den Himmel gelobt wird. Ich bin völlig zufrieden, wenn die Menschen meine Hörspiele einfach mögen.

• 1 Benjamin Blümchen – Der Weihnachtsabend
• 2 Benjamin Blümchen – Der Weihnachtstraum
• 3 Titania Special – Fröhliche Weihnachten, Mr. Scrooge!
• 4 Bibi Blocksberg – Die Weihnachtsmänner
• 5 Holy Klassiker – Eine Weihnachtsgeschichte
• 6 Das Weihnachtsglöckchen
• 7 John Sinclair Edition 2000 – Mörderische Weihnachten
• 8 Holy Klassiker – Der kleine Lord
• 9 Dreamland Grusel – Mörderische Weihnachten
• 10 Andi Meisfeld – Dufte Weihnachtsabenteuer
• 11 Sherlock Holmes: Die geheimen Fälle des Meisterdetektivs - Der blaue Karfunkel
• 12 Kira Kolumna – Verpeilte Weihnachten
• 13 Zauberwelt der Märchen - Drei Haselnüsse für Aschenbrödel
• 14 Der große Lord
• 15 Doctor Who – Christmas: It’s a Wonderful War and Other Stories
• 16 A Christmas Carol

Wenn es draußen früh dunkel wird, der erste Schnee fällt und der Duft von Plätzchen durch die Wohnung zieht, beginnt die beste Zeit fürs Kopfkino: Weihnachtszeit ist Hörspielzeit. Kaum eine andere Jahreszeit bringt so viele vertraute Stimmen, alte Klassiker und neue Entdeckungen zusammen wie der Advent – vom gemütlichen Familienhörspiel bis zum düsteren Weihnachtskrimi, den man lieber nach dem Kerzenlöschen hört.

Auf dieser Seite dreht sich alles um Weihnachtshörspiele in ihren verschiedensten Formen. Hier findest du bekannte Serienfolgen, eigene Weihnachts-Specials, Adventskalender-Hörspiele in 24 Teilen, moderne Produktionen der Sender und liebevoll inszenierte Klassiker wie Eine Weihnachtsgeschichte oder Der kleine Lord. Einige Titel sind perfekt zum gemeinsamen Hören mit Kindern, andere richten sich klar an Erwachsene, die ihre Bescherung gern mit einem Schuss Spannung, Grusel oder schwarzem Humor würzen.

Dieses Vorwort soll dich einladen, Weihnachten auch akustisch neu zu entdecken. Vielleicht suchst du etwas zum Nebenbei-Hören beim Backen, eine Serienfolge für Heiligabend nach dem Essen, einen Adventskalender für den Dezember oder einen besonderen Tipp, der nicht überall in den Standardlisten auftaucht. Genau dafür ist diese Sammlung da.

Mach es dir bequem, schnapp dir eine Decke, ein Heißgetränk nach Wahl – und lass die Lautsprecher den Rest übernehmen. Weihnachten kann laut und trubelig sein. Ein gutes Hörspiel schafft einen kleinen geschützten Raum mittendrin.

Benjamin Blümchen – Der Weihnachtsabend

Der Weihnachtsabend gehört zu den klassischen Benjamin-Blümchen-Folgen, die viele Hörer mit ihrer eigenen Kindheit verbinden. Die Folge lebt von der kuscheligen Atmosphäre im Neustädter Zoo, wo sich Benjamin, Otto und die übrigen Zoobewohner auf das große Fest vorbereiten. Natürlich läuft dabei nicht alles glatt: Irgendetwas geht bei den Vorbereitungen schief, es fehlt mal an Geld, mal an Material oder an Zeit, und die Erwachsenen sind schnell gestresst. Gerade das macht aber den Reiz aus, denn Benjamin bleibt trotz aller Probleme optimistisch und zeigt, dass man mit Fantasie und gutem Willen viele Hindernisse überwinden kann. Für Kinder ist die Folge ein schönes Beispiel dafür, dass Weihnachten nicht perfekt sein muss, um schön zu sein, und dass Zusammenhalt wichtiger ist als teure Geschenke oder tadellose Dekoration. Erwachsene Hörer erkennen sich in der Organisation des Festes wieder, bei dem ein Das machen wir später das nächste jagt. Am Ende steht ein warmherziger Weihnachtsabend im Zoo, bei dem Mensch und Tier gemeinsam feiern. Dadurch eignet sich die Folge ideal als Einstieg in die Adventszeit oder als Begleitung an Heiligabend, wenn man etwas Leichtes, Herzliches und zugleich leicht Nostalgisches hören will.

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Benjamin Blümchen – Der Weihnachtstraum

In Der Weihnachtstraum von Kiddinx steht Benjamins Vorstellung eines perfekten Festes im Mittelpunkt. Er träumt von einem Weihnachten, in dem alles harmonisch ist, alle Bewohner von Neustadt glücklich sind und niemand traurig allein bleiben muss. Der Traum ist bunt, überdreht und voller typischer Benjamin-Motive: viele Kinder, viel Lachen und natürlich jede Menge leckeres Essen. Als Benjamin aufwacht, beschließt er, seinen Traum in die Realität zu holen – was natürlich schwieriger ist, als es zunächst klingt. Otto hilft ihm, Ideen aus dem Traum Schritt für Schritt in die Wirklichkeit zu übertragen. Dabei geht einiges schief: Organisation, Geld und der Stress der Erwachsenen stehen dem Idealbild im Weg. Genau das macht die Folge interessant, denn sie zeigt Kindern sehr anschaulich, dass Träume zwar nicht eins zu eins umsetzbar sind, aber als Inspiration dienen können, um die Welt ein Stückchen freundlicher zu gestalten. Besonders schön ist, dass Benjamin immer wieder auf diejenigen schaut, die sonst leicht vergessen werden: einsame Menschen, ärmere Familien oder Personen, die an Weihnachten arbeiten müssen. Am Ende entsteht kein perfektes Fest, aber ein sehr ehrliches, warmes und menschliches Weihnachten. Die Folge eignet sich hervorragend, um mit Kindern über Erwartungen und Realität zu sprechen – und darüber, was an Weihnachten wirklich zählt.

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Titania Special – Fröhliche Weihnachten, Mr. Scrooge!

Dieses Titania-Special setzt Charles Dickens’ A Christmas Carol als stimmungsvolles, klassisches Hörspiel um. Ebenezer Scrooge ist ein harter, geiziger Geschäftsmann, der Weihnachten verachtet und weder mit Freude noch mit Mitgefühl viel anfangen kann. In der berühmten Weihnachtsnacht wird er von dem Geist seines verstorbenen Geschäftspartners Marley heimgesucht. Dieser kündigt drei weitere Geister an: den Geist der vergangenen, der gegenwärtigen und der zukünftigen Weihnacht. In der Titania-Produktion werden diese Besuche mit viel Liebe zum Detail inszeniert: Geräusche, Musik und die Stimmen der Sprecher erzeugen ein sehr dichtes, fast filmisches Kopfkino. Der Hörer begleitet Scrooge auf seiner Reise durch seine eigene Biografie, sieht verpasste Chancen, erkaltete Beziehungen und eine Zukunft, in der niemand um ihn trauert. Gerade in Audioform wirken die Kontraste zwischen Kälte und Wärme, Einsamkeit und Gemeinschaft, sehr intensiv. Am Ende steht die bekannte Wandlung: Scrooge öffnet sein Herz, hilft Bedürftigen und entdeckt die Freude am Fest neu. Das Hörspiel eignet sich hervorragend für alle, die ein traditionelles, moralisch klar erzähltes Weihnachtsdrama mögen und dabei Wert auf hochwertige Sprecherleistungen und atmosphärischen Sound legen.

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Bibi Blocksberg – Die Weihnachtsmänner

In Die Weihnachtsmänner wird das Bild vom Weihnachtsmann gleich mehrfach auf den Kopf gestellt. Bibi Blocksberg erlebt, dass in Neustadt verschiedene Weihnachtsmänner unterwegs sind – in Kaufhäusern, bei Veranstaltungen, vielleicht sogar auf dem Marktplatz – und beginnt sich zu fragen, welcher davon überhaupt echt ist. Gleichzeitig wird deutlich, dass manche dieser Figuren mehr an Werbung und Umsatz als an Kinderwünschen interessiert sind. Bibi, die ein starkes Gerechtigkeitsempfinden hat, stürzt sich in die Sache hinein und versucht herauszufinden, wer hier nur eine Rolle spielt und wer wirklich das Herz am rechten Fleck hat. Natürlich bleibt es nicht bei bloßen Fragen: Sie hext Situationen, in denen die Weihnachtsmänner zeigen müssen, wie sie wirklich ticken, und bringt damit die ganze Stadt in Aufruhr. Die Folge ist besonders spannend, weil sie Kindern auf spielerische Weise zeigt, dass hinter Kostümen echte Menschen stecken, die ganz unterschiedliche Motive haben können. Gleichzeitig wird der Gedanke gestärkt, dass es beim Weihnachtsmann weniger um eine einzelne Person, sondern um eine Haltung geht: anderen etwas Gutes zu tun. Am Ende steht kein endgültiges so ist der echte Weihnachtsmann, sondern eher die Erkenntnis, dass Freundlichkeit, Großzügigkeit und Empathie das sind, was die Figur eigentlich verkörpert – egal, wer gerade den roten Mantel trägt.

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Holy Klassiker – Eine Weihnachtsgeschichte

Holy Klassiker – Eine Weihnachtsgeschichte ist Holysofts Version von Charles Dickens’ A Christmas Carol und nutzt alle typischen Stärken des Labels: wuchtiges Sounddesign, ein großes Sprecherensemble und opulente Musik. Im Zentrum steht natürlich Ebenezer Scrooge, der alte Geizhals, der Weihnachten für Geldverschwendung und Sentimentalität hält. Holysoft inszeniert die berühmten Geisterbesuche mit viel Atmosphäre – vom klirrenden Kettenlärm des Geistes Marley bis zu den eindringlichen Szenen mit dem Geist der zukünftigen Weihnacht. Der Fokus liegt stark auf Emotionen: Wenn Scrooge seine eigene Vergangenheit sieht, verlorene Chancen und die Folgen seiner Kälte, legt die Inszenierung Wert auf spürbare Verzweiflung und Reue. Gleichzeitig werden die positiven Szenen, etwa im Haus der Cratchits oder auf dem Markt, mit warmen Klangfarben, Stimmengewirr und Musik unterlegt. Dadurch entsteht ein deutlicher Kontrast zwischen Kälte und Wärme, Einsamkeit und Gemeinschaft. Für Hörer, die klassische Literatur nicht nur still lesen, sondern als Kino im Kopf erleben möchten, ist diese Fassung ideal. Sie bleibt dem Kern der Vorlage treu, erlaubt sich aber leichte Straffungen und Zuspitzungen, um die Geschichte in ein dichtes Hörspiel von begrenzter Laufzeit zu gießen. Am Ende steht natürlich die bekannte Wandlung: Scrooge wird freigebig und mitfühlend. Doch durch die intensive Inszenierung wirkt dieser Wandel besonders verdient und emotional.

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Das Weihnachtsglöckchen

Das Weihnachtsglöckchen ist ein eigenständiges, märchenhaftes Holysoft-Hörspiel, das sich ganz auf die warmherzige Seite von Weihnachten konzentriert. Im Mittelpunkt steht eine kleine Glocke, die einst am Schlitten des Weihnachtsmannes gehangen haben soll. Durch Zufall gelangt sie in die Hände von Kindern, deren Familie vielleicht gerade eine schwere Zeit durchmacht – sei es durch Geldsorgen, Streit oder den Verlust eines geliebten Menschen. Die Glocke scheint besondere Kräfte zu haben: Immer wenn sie läutet, passieren kleine Zufälle, die den Figuren helfen, mutiger, ehrlicher oder liebevoller zu handeln. Das Hörspiel lässt offen, ob es sich um echte Magie handelt oder ob die Glocke nur als Auslöser dient, damit die Menschen selbst aktiv werden. Gerade das macht die Geschichte reizvoll. Holysoft setzt stark auf emotionale Musik, leises Glockenspiel und winterliche Geräuschkulissen: knirschender Schnee, entfernte Kirchenglocken, das Knistern eines Kaminfeuers. Das Weihnachtsglöckchen eignet sich gut für gemeinsame Hörabende mit Kindern, weil es eine klare, märchenhafte Struktur hat und trotzdem nicht kitschig wirkt. Die Botschaft ist klassisch, aber effektiv: Manchmal braucht es nur einen kleinen Anstoß, um Gutes zu tun und wieder zueinander zu finden. Am Ende klingt die Glocke ein letztes Mal – und beim Hörer bleibt das Gefühl, dass man selbst auch zum Weihnachtsglöckchen für andere werden kann.

John Sinclair Edition 2000 – Mörderische Weihnachten

Mörderische Weihnachten aus dem John-Sinclair-Kosmos verbindet klassischen Grusel mit dem eigentlich besinnlichsten Fest des Jahres. Während in London oder einer anderen Stadt Weihnachtsmärkte, Gottesdienste und Familienfeiern stattfinden, bricht in den Schatten das Übernatürliche durch: Dämonen, besessene Menschen oder ein Fluch, der an die Weihnachtszeit gebunden ist. John Sinclair, der Geisterjäger, wird in einen Fall hineingezogen, der zunächst wie eine Serie grausamer, aber normaler Verbrechen aussieht. Erst nach und nach zeigt sich, dass mehr dahinter steckt: ein uralter Pakt, ein dämonischer Kult oder ein Rachegeist, der sich ausgerechnet in der Nacht der Nächstenliebe Gehör verschaffen will. Das Hörspiel nutzt den Kontrast zwischen Weihnachtsliedern, Glockengeläut und blutigen Szenen, um die Atmosphäre zu verdichten. Für Hörer, die Sinclair mögen, ist das ein Highlight, weil sie bekannte Figuren in einem sehr emotionalen Umfeld erleben: Kollegen und Freunde von John sind vielleicht in Gefahr, und die Bedrohung trifft Menschen, die nur feiern wollten. Trotz aller Härte bleibt die typische Mischung aus Action, Horror und leichter Selbstironie erhalten. Mörderische Weihnachten von Lübbe Audio eignet sich für alle, die selbst zur Adventszeit nicht auf Horror verzichten wollen und die Lust haben, den Kerzenschein mit ein bisschen Gänsehaut zu kombinieren – eher für Erwachsene als für Kinder.

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Holy Klassiker – Der kleine Lord

Holy Klassiker – Der kleine Lord ist die Holysoft-Variante des Stoffes und setzt stärker auf cineastischen Sound und emotionale Zuspitzung. Holysoft ist bekannt für dynamische Musik, klare Sprecherprofile und ein generell größeres Klangbild, und genau das hört man auch hier. Cedrics Reise vom einfachen New Yorker Alltag in die Welt des englischen Adels wird in breiten Bildern erzählt: Straßengeräusche, Hafenszenen, die Atmosphäre auf dem Schloss – alles klingt opulent und detailreich. Der Großvater wird anfangs sehr hart und schroff gezeichnet, sodass der Kontrast zu seiner späteren Wandlung entsprechend groß wirkt. Die Musik betont die Dramaturgie: traurige Themen, wenn die Distanz zwischen Cedric und dem Earl deutlich wird; triumphale oder sanft leuchtende Motive, wenn Nähe entsteht oder der Junge anderen hilft. Holysoft neigt dazu, Emotionen stark herauszuarbeiten, ohne gleich ins Kitschige zu kippen – das macht diese Fassung besonders für Hörer interessant, die gern ganz im Film sind. Die Weihnachtsmomente – Dekoration, Dorfbevölkerung, die vom neuen Verhalten des Earls profitiert, und ein gemeinsames Fest – bekommen einen leicht märchenhaften Glanz. Gleichzeitig bleibt die soziale Komponente spürbar: Der kleine Lord ist nicht nur ein süßer Junge, sondern jemand, der Brücken zwischen Klassen schlägt. Wer Holy-Hörspiele schätzt, bekommt hier eine Version des Klassikers, die sich problemlos neben anderen großen Holy-Produktionen behaupten kann.

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Dreamland Grusel – Mörderische Weihnachten

Dreamland Grusel – Mörderische Weihnachten ist ein kompromissloses Weihnachtshörspiel für Erwachsene, das die festliche Stimmung bewusst gegen die Wand fährt. In einer namenlosen Großstadt treibt ein Killer im Weihnachtsmannkostüm sein Unwesen. Was zunächst wie eine Serie zufälliger, bizarrer Morde wirkt, entpuppt sich nach und nach als kalt geplante Racheaktion. Hinter Lichterketten, Glühweinbuden und Kaufhausmusik lauern Schuldgefühle, verdrängte Taten und eine Vergangenheit, die sich blutig Bahn bricht.

Die Produktion von Dreamland Productions setzt auf ein starkes Sprecherensemble, druckvolle Musik und eine sehr dichte Geräuschkulisse. Wenn der Weihnachtsmann mit tiefer Stimme seine Opfer konfrontiert, entsteht eine fast filmische Spannung, die eher an einen düsteren Thriller erinnert als an ein klassisches Grusel-Hörspiel. Zwischendurch blitzt schwarzer Humor auf, der die Geschehnisse noch zynischer wirken lässt.

Mörderische Weihnachten ist nichts für zarte Gemüter und sicher kein Hörspiel, das man neben dem Plätzchenbacken mit der Familie laufen lässt. Wer aber zur Weihnachtszeit bewusst einen Kontrapunkt zur üblichen Besinnlichkeit sucht und Lust auf härteren Stoff mit gesellschaftlich heiklen Themen hat, findet hier einen intensiven, verstörenden, aber auch sehr eindringlichen Beitrag im Dreamland-Grusel-Kosmos. Gerade diese Mischung aus Festtagskulisse, moralischer Abrechnung und schonungsloser Gewalt macht den Reiz der Folge aus und lässt sie lange nach dem Abspann im Kopf nachhallen beim Hörer.

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Andi Meisfeld – Dufte Weihnachtsabenteuer

Andi Meisfeld – Dufte Weihnachtsabenteuer bringt weihnachtliche Stimmung in die Ameisenmetropole Meisenstedt und ist damit perfekt für alle, die ein kindgerechtes, aber spannendes Hörspiel im Advent suchen. Im Mittelpunkt steht natürlich Jungameisenagent Andi, der auch zur Weihnachtszeit keine Ruhe bekommt: Zwischen Lichterglanz, Einkaufsstress und Vorfreude auf das Fest tauchen plötzlich seltsame Fälle auf. Mal sorgen mysteriöse Botschaften für Kopfzerbrechen, mal machen verdächtige Aktivitäten im Einkaufszentrum Meisenstedt Mitte die Runde – immer so dosiert, dass es spannend, aber nie zu düster wird.

Typisch für Andi Meisfeld verbinden die duften Weihnachtsabenteuer Detektiv- und Agentenflair mit viel Humor und einem liebevoll ausgearbeiteten Ameisen-Universum. Kinder bekommen eine spannende Geschichte mit Sympathiefiguren, in der Freundschaft, Mut und Zusammenhalt im Vordergrund stehen, während Erwachsene den augenzwinkernden Blick auf Konsum, Chaos und Vorweihnachts-Trubel wiedererkennen. Die winterliche Kulisse mit geschmückten Straßen, Weihnachtsbäckerei und festlicher Musik sorgt dafür, dass beim Hören sofort Adventsstimmung aufkommt.

Für den Beitrag Weihnachtshörspiele von gemütlich bis gruselig passt Andi Meisfeld klar in den Bereich gemütlich-spannend für jüngere Hörer: ideal zum gemeinsamen Hören am Nachmittag, beim Plätzchenbacken oder als abendliches Hör-Ritual im Dezember, ohne dass es zu unheimlich wird.

Sherlock Holmes: Die geheimen Fälle des Meisterdetektivs – Der blaue Karfunkel

Sherlock Holmes: Die geheimen Fälle des Meisterdetektivs – Der blaue Karfunkel von Titania Medien ist so etwas wie die inoffizielle Weihnachtsfolge der Reihe. Die Geschichte basiert auf der klassischen Doyle-Erzählung und spielt in der Zeit zwischen den Jahren: Eine gestohlene Gans, ein verlorener Hut und ein ebenso kostbarer wie gefährlicher Edelstein führen Holmes und Watson quer durch das winterliche, nebelverhangene London.

Titania Medien inszeniert den Fall mit der gewohnten Mischung aus viktorianischem Flair und detailverliebtem Sounddesign: Kutschengeräusche, knarrende Treppen, Pub-Atmosphäre und das Treiben auf den Straßen sorgen für dichtes Kopfkino. Joachim Tennstedt als Holmes und Detlef Bierstedt als Watson harmonieren perfekt; ihre Dialoge tragen den Krimi, während Regina Lemnitz als Mrs. Hudson zusätzliche Wärme in die Baker Street bringt.

Inhaltlich ist Der blaue Karfunkel ein eher ruhiger, klassischer Sherlock-Fall, bei dem Beobachtungsgabe, Logik und Menschlichkeit wichtiger sind als Action. Gerade das passt hervorragend zur Weihnachtszeit: Hinter dem Verbrechen stehen Schwäche, Versuchung und die Chance auf einen zweiten Versuch, was Holmes am Ende zu einer ungewohnt milden Entscheidung bewegt. Für den Beitrag Weihnachtshörspiele von gemütlich bis gruselig deckt diese Folge den Bereich klassischer, behaglicher Krimi mit festlicher Winterstimmung ab – ideal für alle, die am Abend im Lichterglanz der Wohnung einen stilvollen Holmes-Fall hören wollen, ohne in harten Horror abzurutschen.

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Kira Kolumna – Verpeilte Weihnachten

Kira Kolumna – Verpeilte Weihnachten ist ein modernes Weihnachtshörspiel von Kiddinx, das sich an ältere Kinder und Jugendliche richtet und Weihnachten aus Teenagerperspektive erzählt. Kira freut sich riesig auf ihr erstes Weihnachten in Südberg und vor allem darauf, endlich mal mehr Zeit mit ihrem vielbeschäftigten Vater zu verbringen. Doch dann hängt er im Schneegestöber in London fest und es ist völlig unklar, ob er es überhaupt rechtzeitig nach Hause schafft.

Zum Glück ist Kiras beste Freundin Nele da und lenkt sie ab: Nele hat ein geheimnisvolles Päckchen von einem Unbekannten bekommen. Natürlich ist sofort die Reporterin in Kira Kolumna geweckt. Statt sich im Selbstmitleid zu verlieren, stürzt sie sich in die Recherche, entwickelt verrückte Theorien und versucht Schritt für Schritt herauszufinden, wer hinter dem Paket steckt, und welche Geschichte dahintersteckt.

Im Beitrag Weihnachtshörspiele von gemütlich bis gruselig lässt sich Verpeilte Weihnachten dem gemütlich-modernen Bereich zuordnen: viel Alltagsnähe, Patchwork- und Familienchaos sowie ein kleines Rätsel, jedoch ohne Horrorelemente. Die Folge richtet sich vor allem an Hörer ab etwa 10 Jahren, die eine weihnachtliche Stimmung in einem aktuellen Setting bevorzugen, ohne stark nostalgische oder altmodische Inszenierung.

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Zauberwelt der Märchen – Drei Haselnüsse für Aschenbrödel

Drei Haselnüsse für Aschenbrödel von Contendo Media adaptiert den bekannten Märchenstoff in der Reihe Zauberwelt der Märchen als klassisches Winter- und Weihnachtsmärchenhörspiel. Im Zentrum steht Aschenbrödel, die von Stiefmutter und Stiefschwester ausgenutzt wird, sich jedoch mit Witz, Selbstbewusstsein und Unterstützung der drei titelgebenden Haselnüsse behauptet. Jagdgesellschaft, Ball auf dem Schloss und die Begegnungen mit dem Prinzen werden in einer deutlich märchenhaften, leicht romantisierten Tonlage erzählt.

Die Inszenierung setzt auf eine dichte Klangkulisse mit winterlicher Atmo, höfischen Szenen und einem orchestral gehaltenen Soundtrack, der sich hörbar an der Stimmung des bekannten Filmklassikers orientiert, ohne diesen eins zu eins nachzubilden. Ein Ensemble professioneller Sprecher sorgt für klare Rollenprofile und eine gut nachvollziehbare Dramaturgie, die sich an Kinder richtet, aber auch für erwachsene Hörer mit nostalgischem Bezug geeignet ist.

Im Rahmen des Beitrags Weihnachtshörspiele von gemütlich bis gruselig lässt sich diese Fassung eindeutig im Bereich der klassischen, märchenhaft-gemütlichen Titel verorten: starke Winter- und Festtagsatmosphäre, deutlicher Fokus auf Wunsch nach Gerechtigkeit und dem guten Ausgang, ohne Grusel- oder Horrorelemente.

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Der große Lord

Der große Lord ist ein Weihnachtshörspiel des WDR nach dem gleichnamigen Roman von Raymond A. Scofield, das die Geschichte von Der kleine Lord auf ungewohnte Weise weiterdenkt. Am Heiligabend stürmt ein junger Mann die Polizeiwache im englischen Erleboro, stellt sich als Tom Tipton vor und erklärt, er habe Lord Fauntleroy erschossen. Was zunächst nach einem klaren Geständnis klingt, entpuppt sich im Verhör als Rahmen für eine lange, verschachtelte Lebensgeschichte voller Irrwege, Intrigen und falscher Identitäten.

Nach und nach wird deutlich, dass Tom Tipton in Wahrheit der einstige kleine Lord Cedric Fauntleroy ist, dessen Leben nach einem Unglück und dem Eingreifen eines skrupellosen Anwalts völlig aus der Bahn geraten ist. Cedric landet in den Armen eines Londoner Ganovenmilieus, während andere von seinem Namen und seinem Erbe profitieren. Erst viele Jahre später führt ihn der Weg an diesem Heiligabend zurück – mit einem Lama und einem Pinguin im Schlepptau – in das Polizeirevier von Erleboro.

Die WDR-Produktion von 2016 (Bearbeitung: Heide Knetsch und Stefan Richwien, Regie: Martin Zylka) verbindet winterliche, weihnachtliche Atmosphäre mit Elementen aus Krimi, Sozialdrama und klassischer Familiengeschichte. Das Hörspiel richtet sich eher an ältere Kinder, Jugendliche und Erwachsene, die eine anspruchsvollere, bittersüße Fortführung des bekannten Stoffes suchen.

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Doctor Who – Christmas: It’s a Wonderful War and Other Stories

Doctor Who – Christmas: It’s a Wonderful War and Other Stories ist ein weihnachtliches Anthologie-Hörspiel von Big Finish mit vier eigenständigen Geschichten aus unterschiedlichen Epochen des Whoniverse. Die Box verbindet klassische Doctor-Who-Motive – Zeitreisen, Aliens, moralische Entscheidungen – mit sehr unterschiedlichen Weihnachts- und Winter-Settings.

In Unholy Night strandet Missy auf dem gefrorenen Planeten Jul und gerät in eine scheinbar perfekte Weihnachtsidylle, die sich als durchaus bedrohlich erweist. Legacy of Blood führt den Sechsten Doctor, Leela und Ellie Higson in ein winterliches England des Jahres 1962, wo ein alter Fluch und der Green Knight während einer Kältewelle wieder auf den Plan treten. Presents of Mind holt Sarah Jane, Harry und K9 an Bord eines Zuges, der zur Wintersonnenwende unter einen frostigen Alien-Angriff gerät. Im Titelstück It’s a Wonderful War agiert der Achte Doctor zur Zeit des Time War als eine Art Schutzengel auf einem Asteroiden am Rand des Krieges – inklusive Dalek-Bedrohung und Anspielungen auf den Filmklassiker It’s a Wonderful Life.

Produktionstechnisch bietet die Box das gewohnte Big-Finish-Niveau mit großem Ensemble (u. a. Michelle Gomez, Colin Baker, Paul McGann, Sadie Miller, John Leeson) und dichtem Sounddesign. Insgesamt überwiegt eine Mischung aus festlicher Stimmung, Melancholie, Humor und bedrohlichen Momenten – eher im Bereich erwachsene Science-Fiction-Weihnacht als klassisches Familienhörspiel.

A Christmas Carol

A Christmas Carol mit Patrick Stewart ist eine englischsprachige Lesung des Dickens-Klassikers, die auf seiner bekannten Ein-Mann-Bühnenfassung basiert. Statt eines großen Ensembles steht hier ausschließlich Patrick Stewart am Mikrofon und übernimmt alle Rollen selbst: den griesgrämigen Ebenezer Scrooge, die drei Geister der Weihnacht, die Cratchit-Familie und zahlreiche Nebenfiguren. Durch unterschiedliche Stimmfarben, Tempi und Akzente entsteht trotzdem ein klares Figurenensemble, das sehr lebendig wirkt, obwohl kein weiteres Cast beteiligt ist.

Die Aufnahme konzentriert sich stark auf Text und Schauspiel, das Sounddesign bleibt bewusst minimal: ein wenig Raumklang, dezente Effekte – der Rest entsteht im Kopf der Hörer. Gerade dadurch kommen Sprache, Rhythmus und Humor des Originals sehr gut zur Geltung. Stewarts Performance wechselt souverän zwischen leisen, melancholischen Momenten, bedrohlichen Passagen und warmen, fast zärtlichen Szenen rund um Familie und Mitgefühl.

Im Rahmen deines Beitrags zu Weihnachtshörspielen von gemütlich bis gruselig bietet diese Fassung einen eigenen Schwerpunkt: einen englischen Weihnachtsklassiker, der eher als intensive, schauspielerische Lesung funktioniert als als traditionelles Hörspiel. Geeignet vor allem für Hörer mit guten Englischkenntnissen, die A Christmas Carol einmal möglichst textnah, aber trotzdem sehr emotional interpretiert erleben möchten.

Frank Hammerschmidt ist ein erfahrener Hörspielautor, dessen Arbeiten besonders im Bereich Horror, Mystery und Thriller aufhorchen lassen. Vielen Hörerinnen und Hörern ist er durch seine Beteiligung an den Tales-Reihen von Contendo Media ein Begriff. In seinen Geschichten verbindet er atmosphärische Spannung mit psychologischem Tiefgang – und trägt damit maßgeblich zur Vielfalt der deutschsprachigen Hörspielszene bei.

Im folgenden Interview gibt Frank Hammerschmidt Einblicke in seinen kreativen Prozess, seine Erfahrungen in der Branche und seine persönliche Sicht auf das Medium Hörspiel.

Wie kamst du ursprünglich zum Schreiben von Hörspielen?

So um 2009 habe ich morgens zusätzlich immer noch Zeitungen ausgetragen und hörte dabei immer Hörspiele, u. A. auch vom Hörspielprojekt. Dort hatte ich mich gerade angemeldet und es wurde zu der Zeit ein Wettbewerb zum Thema Krimi ausgeschrieben. So machte ich ein 15 Minuten Hörspiel, Sinatra Blues. Gelungen war es leider nicht unbedingt und nach ein paar weiteren Versuchen gab ich das Cutten auf, aber ich schrieb eben weiter meine Geschichten. Einige Jahre zuvor hatte ich einige Kurzgeschichten geschrieben, die in den John Sinclair Romanen als Lesergeschichte der Woche veröffentlicht worden waren. Die liebe Oda Plein von den Mindcrusher Studios bestärkte mich darin, eine Geschichte als Hörspielskript umzuwandeln. Dadurch wurde fast zeitgleich zu Sinatra-Blues auch das Mayfield-Pensionat fertig, bei dem sie selbst den Cut übernahm und ihre zwei Töchter zwei der Rollen. Mir gefiel es gut und somit wurde mein Hobby, Skripte zu schreiben immer größer. Im Jahre 2018 wagte ich dann den Schritt und schickte eine Geschichte ein, zunächst zu Dreamland, dann zu Contendo und der Audionarchie. Christoph Piasecki von Contendo schlug zu, veröffentlichte aber zunächst andere Geschichten von mir, die ich für die Insel-Krimis und die Midnight Tales geschrieben hatte. In diesem Jahr erschien dann schließlich doch noch mein Erstling Kroatisches Grauen.

Erinnerst du dich an dein erstes selbst geschriebenes Hörspiel oder deine erste Geschichte?

Ups, habe ich ja schon vorweggenommen. Mein erstes war Sinatra-Blues, eine Krimi-Geschichte, die im August 2010 als Hörspiel veröffentlicht wurde. Meine Cutterfähigkeiten konnte man kaum so nennen, aber wer sich traut, kann es auf meinem YouTube Kanal nachhören.

Welche Rolle spielen Hörspiele für dich persönlich – als Medium und als Ausdrucksform?

In einem Hörspiel kann man ähnlich wie bei einem Roman der Phantasie freien Lauf lassen. Man kann also seine Geschichten leicht auf fremden Welten spielen lassen, fortschrittliche Technologie einbauen, die grässlichsten Monster, die für den Hörer auch ohne CGI oder Puppeteers perfekt funktionieren, entstehen lassen. Das ist der große Vorteil gegenüber dem Film. Das hat mich schon als Kind begeistert, als ich noch Donald Duck Taschenbücher mit verstellter Stimme, Geräuschen und eingespielter Musik von Platte aufgenommen habe. Also Hörspiele haben für mich schon immer eine große Rolle gespielt.

Was inspiriert dich am meisten beim Schreiben – reale Ereignisse, Literatur, Filme oder Musik?

Oft sind es Alltagsgegenstände. Mir ist einmal beim nächtlichen Zeitungsaustragen eine schöne kleine Sitzbank aufgefallen. Da habe ich dann überlegt, was sich auf dieser Bank schon alles abgespielt haben könnte. Daraus wurde dann mein Hörspiel Scary Stories 5: Die Blutbank von Guisborough. Die Geschichte aus Insel-Krimi 15: Tödliches Langeoog war zum großen Teil wahr und hat zwar nicht an der Nordsee, aber an der Ostsee stattgefunden. Nur Details wie den Schweinekopf habe ich hinzugefügt. Oder Insel-Krimi 14: Pellworms kleine Leichen. Die Story habe ich fast komplett erträumt.

Welche Autoren / Autorinnen oder Hörspielmacher / Hörspielmacherinnen haben dich besonders geprägt?

Das war tatsächlich Erik Albrodt, der schon zu der Zeit, als ich im Jahre 2009 zum Hörspielprojekt dazu kam, tolle Hörspiele produzierte. Wenn ich da an Teen Agents denke und auch an seine Einzelhörspiele. Mittlerweile hat er ja so Serien wie die 3 Senioren, Dark Holmes oder die Twilight Mysteries geschrieben und auf den Weg gebracht. Seine erste Midnight Tales gehört immer noch zu meinen Lieblingshörspielen. Als zweites möchte ich Johanna Steiner nennen, die mit ihrem Buchstabier mir LKW einen Dauerbrenner in meinem CD-Player beschert hat (nachdem ich es auf einen CD-Rohling brannte^^).

Wie läuft bei dir der kreative Prozess ab – vom ersten Gedanken bis zum fertigen Skript?

Ich bin kein Plotter, also habe ich die Story nur in Teilen im Kopf, der Rest ergibt sich beim schreiben. Mittendrin ändere ich dann immer etwas, so dass der Mörder am Ende durchaus ein anderer sein kann, als ich zu Beginn noch dachte. Dadurch bleibt es aber auch für mich spannend.

Schreibst du linear oder entwickelst du erst bestimmte Szenen und verknüpfst sie später?

Ich schreibe nie linear, sondern schon fast chaotisch. Es kommt oft vor, dass ich eine erste Szene schreibe, dann zum Ende hüpfe, dann meinetwegen in die Mitte und zum Schluss vielleicht noch zwei Szenen vor der ersten einfüge und dann doppelte Arbeit habe. Aber am Ende des Skriptes lese ich es mir noch einmal laut vor und passe dann noch an.

Wie gehst du mit Schreibblockaden um – wenn es mal nicht weitergeht?

Die habe ich so gut wie gar nicht. Und wenn es doch mal so sein sollte, was aber höchstens einmal im Jahr vorkommt, dann schreibe ich einfach zunächst eine andere Szene oder auch an einer anderen Story weiter.

Gibt es Figuren oder Geschichten, zu denen du immer wieder zurückkehrst oder es gerne würdest?

Figuren nicht, aber ich habe festgestellt, dass es sich bei mir oft um Reisen dreht, um Vertriebene wie bei Mole, um Wissenschaftler, die sich ihren Weg nach Deutschland erkämpfen müssen (Midnight Tales 25 – 28 Schöne tote Welt) oder die lange Reise zurück ins Fürstentum in Schwert und Runenzauber.

Hörst du deine eigenen Produktionen nach Veröffentlichung? Wenn ja – wie kritisch bist du dann?

Ja, ich höre jede Produktion, an der ich beteiligt war, noch öfter. Manchmal finde ich auch Sachen, die mir nicht gefallen, aber die vermutlich niemand anderes außer mir bemerken würde. Aber ich kann auch über längst vergessene Gags oder Wendungen von mir lachen, die ich besonders gut gelungen finde.

Welche deiner Hörspielproduktionen liegt dir besonders am Herzen – und warum?

Ach, ich mag eigentlich alle Genres, in denen ich mich austoben darf, sonst würde ich es nicht machen. Sehr viel Freude habe ich an meiner Fantasy-Serie Schwert und Runenzauber bei Carsten Hermann oder den Fantasy Tales bei Contendo. Innerhalb der Geister-Schocker laufen ab dem 25. September die Abenteuer rund um zwei Brüder in den 1850ern, die auf Geisterjagd gehen. Daran habe ich auch sehr viel Spaß und konnte jetzt das sechste Skript dazu liefern. Ende offen.

Du bewegst dich oft im Bereich Horror, Mystery und Thriller – was fasziniert dich daran?

Schon als Kind war ich von Hui Buh, danach von Dracula und Frankenstein fasziniert. Und von Dr. Finistra! Und ich liebe Horror-Filme. Dabei müssen die nicht immer mit übernatürlichen Figuren besetzt sein, denn ich mag auch sehr gerne die Slasher aus den 70er und 80ern. Ein bisschen Humor darf auch da drin sein, aber eher schwarzer Humor. Mit den meisten Komödien kann ich nicht so viel anfangen, mit den heutigen schon mal gar nicht.

Gibt es Tabus oder Themen, die du bewusst meidest?

Ich versuche nicht zu politisch zu sein, doch manchmal kann ich auch nicht anders. Und das Thema Religion vermeide ich auch weitestgehend.

Welche neuen Genres würdest du gern noch ausprobieren?

Da gibt es nicht viel. Ich hatte einmal einige Folgen für Sex in Serie geschrieben, eine der Geschichten hatte ich bewusst mit allen Klischees der 70er entwickelt, angefangen mit dem Namen der Protagonistin: Uschi. Leider ist das Hörspiel immer noch nicht erschienen. Das war mal etwas Neues und ich hatte viel Spaß daran. Ansonsten wüsste ich kein Genre, welches ich in meinem Portfolio vermissen würde.

Gibt es ein reales Ereignis oder einen Mythos, den du gern einmal adaptieren würdest?

Ja, seit 15 Jahren möchte ich mal ein Hörspiel über den Cäsar Caracalla machen. Jüngst wurde er und sein Bruder in dem Film Gladiator 2 vollkommen falsch dargestellt, das hat mich richtig geärgert. Das würde ich irgendwann mal gerne angehen.

Du arbeitest mit verschiedenen Hörspiellabels wie Contendo Media oder Hermann media audiobooks zusammen – wie unterscheiden sich die Produktionen?

Bei den unterschiedlichen Labels muss ich mich hauptsächlich bei der Form des Skriptes umorientieren. Der eine Produzent möchte Takenummerierungen, der andere nicht, manche Regieanweisungen, weil sie nicht immer vor Ort sein können usw. Bei einigen finden auch gemeinsame Aufnahmesessions statt (wie z.B. bei Schwert und Runenzauber, bei denen sich die beiden Hauptprotagonisten regelmäßig zu Aufnahmen treffen) , bei anderen wird ge-ixt, also einzelne Aufnahmen der Sprecher zusammengeschnitten.

Welche Produktion war für dich besonders herausfordernd – und warum?

An Krimiplots habe ich immer einen besonderen Anspruch, das fällt mir schwerer, das muss ich zugeben. Da soll ja alles stimmig sein und man kann nichts durch einen einfachen Zauber erklären, wie in den phantastischen Stoffen.

Wie siehst du die Zukunft des Hörspiels – insbesondere im Streaming-Zeitalter?

Ich persönlich gehöre immer noch zu den guten alten CD-Käufern, auch wenn ich mich damit auseinandersetzen muss, dass es doch immer weniger wird. Aber ich halte nicht starr daran fest, wenn es eben nur den Stream oder Download gibt, kann ich auch damit leben. Viele meiner Geschichten erscheinen ja mittlerweile nur noch so, auch wenn ich immer noch einige CD-Veröffentlichungen über das Jahr verteilt habe.

Wie beurteilst du die aktuelle Vielfalt im deutschsprachigen Hörspielmarkt?

Ja, die Vielfalt war nie so groß wie heute. In meiner Kindheit gab es nur eine Handvoll Label, jetzt sind es doch wesentlich mehr. Für fast alle Hörer dürfte etwas dabei sein.

Gibt es aus deiner Sicht genug Nachwuchs in der Szene?

Ach, da gibt es doch einige. Stefan Hartlein zum Beispiel, der seinen ersten Insel-Krimi abgeliefert hat und auch an den Fantasy Tales, Science-Fiction Tales und anderen Reihen mitwirkt, oder Christoph Soboll, der mittlerweile deutlich mehr geschrieben hat als ich, obwohl er auch nebenher einen richtigen Brötchenjob hat.

An welchem Projekt arbeitest du gerade – darfst du schon etwas verraten?

Momentan setze ich meine Idee von Mole in einer kommerziellen Serie um. Die lieben kleinen Maulwürfe sorgen dann auch bei Contendo für Terror und Angst. Da sitze ich momentan an der zweiten Staffel, die zwar auf den bereits bestehenden Abenteuern beim Hörspielprojekt basieren, aber komplett überarbeitet und erweitert wurden. Da wartet dann auch eine vollkommen neue dritte Staffel auf euch, die aber noch geschrieben werden muss. Hinzu kommen außerdem einige Einzelabenteuer, die in den drei unterschiedlichen Zeitebenen spielen. Ansonsten bin ich auch noch an der sechsten Folge der Ahnenzauber beschäftigt und bald geht es mit einer weiteren Folgen für Dreamland Grusel weiter.

Was macht dir am meisten Freude am Hörspielschreiben – und was am wenigsten?

Am liebsten beginne ich ein neues Hörspiel. Die ersten Wörter sind doch ganz etwas besonderes, auch wenn sie im fertigen Skript wahrscheinlich immer weiter runterrutschen. Was ich gar nicht mag, ist der Korrekturdurchgang nach dem schreiben, bevor ich es abschicke.

Was ist dein persönlicher Hörspiel-Tipp – außer deinen eigenen?

Das ist ganz einfach und hat sich in den Jahren auch nicht geändert. Es handelt sich um den Titel Epic aus dem Oetinger Verlag. Conor Kostick hat es geschrieben und 2006 wurde es schon veröffentlicht. Das Hörspiel kann man leider nur noch gebraucht erstehen. Auf fünf CDs wird da die Geschichte einiger Jugendlichen erzählt, die in einer dystopischen Zukunft leben. Um dem Alltag zu entfliehen, treffen sie sich virtuell in einer World of Warcraft ähnlichen Welt und erleben dort Abenteuer, die auch eine Auswirkung auf ihr wirkliches Leben haben. Das Ganze ist super spannend mit Andreas Fröhlich als Erzähler umgesetzt. Es gibt dazu noch eine Fortsetzung mit dem Namen Saga, die zwar auch gut ist, mir aber etwas weniger gefallen hat. Aber immerhin gib es einige Auftritte des Helden aus dem ersten Teil.

Was möchtest du Nachwuchsautor und -autorinnen mit auf den Weg geben?

Bitte nicht zu lange zu warten, sondern sich einfach mit einem Text bewerben. Ich habe lange gezögert, so dass ich schon 50 war, als mein erstes Stück erschien.

Was hättest du gern früher über das Hörspielschreiben gewusst?

Als ich anfing, hatte ich gar keine Ahnung, wie man mit Skriptprogrammen wie etwa CeltX umgeht. Oda Plein von den MindCrusher Studios, die mich damals unter ihre Fittiche nahm, hat die Hände über den Kopf zerschlagen, als sie meine Ergebnisse gesehen hat. Das war dann das reinste Chaos und sie musste alles nochmal richten. Die Formatierung war damals komplett falsch. Da hätte ich mir und vor allem ihr viel Arbeit ersparen können, hätte ich mich vorher eingelesen.

Vielen Dank für deine Fragen, Sebastian. Hat mir Spaß gemacht, sie zu beantworten.

Ein Hörspiel zwischen Schuld, Reue und Horror

Die vierte Folge der Murder Tales-Reihe von Contendo Media trägt den Titel Der Bunker nach einem Skript von Frank Hammerschmidt und ist nicht nur ein düsterer Thriller, sondern auch eine beklemmende Charakterstudie über Schuld, Gruppenzwang und moralisches Versagen. In einer Welt, in der Grenzen zwischen Spiel und Ernst zunehmend verschwimmen, zeigt dieses Hörspiel eindrucksvoll, wie aus einem vermeintlichen Streich ein Albtraum werden kann – für Opfer wie Täter gleichermaßen.

Einführung in die Handlung

Murder Tales – Der Bunker beginnt mit einer einfachen, fast banalen Idee: Ein paar Jugendliche, Außenseiter an ihrer Schule, fühlen sich von der beliebten Kim schikaniert und planen, es ihr heimzuzahlen. Sie locken sie zu einer Party am alten Bunker, einem abgelegenen Ort voller Geschichten und Geheimnisse. Dort eskaliert die Situation schnell: Aus einem harmlosen Einschüchterungsspiel wird ein echter Albtraum, in dem die Jugendlichen plötzlich mit Konsequenzen konfrontiert sind, auf die sie nicht vorbereitet sind.

Die Handlung spielt sich weitgehend im und um den Bunker ab – ein Ort, der durch seine archaische Atmosphäre, Dunkelheit und Isolation zu einem fast eigenen Charakter im Hörspiel wird. Hier entlädt sich der psychologische Druck der Gruppe, hier erleben die Figuren ihren moralischen Zerfall – und hier wird der Hörer mit der bitteren Frage konfrontiert: Wie weit darf man gehen, bevor es kein Zurück mehr gibt?

Charaktere und psychologische Tiefe

Die Charaktere in Der Bunker sind mehr als nur stereotype Jugendliche. Jeder bringt sein eigenes emotionales Gepäck mit: ungelöste Konflikte, Einsamkeit, Rachegelüste und das Bedürfnis, endlich jemand zu sein. Besonders stark ist die Darstellung der Dynamik innerhalb der Gruppe: Wer führt, wer folgt, wer zweifelt – und wann kippt die Stimmung? Die Beziehung zwischen Anführer und Mitläufern, zwischen Tatendrang und Schuld, wird präzise herausgearbeitet.

Kim, das vermeintliche Opfer, wird dabei nicht nur als unschuldige Zielscheibe gezeichnet, sondern ebenfalls als ambivalente Figur: Ist sie tatsächlich so grausam gewesen, wie die anderen es schildern? Oder dient ihr angebliches Verhalten nur als Rechtfertigung für die eigenen Aggressionen?

Diese moralische Uneindeutigkeit zieht sich durch das gesamte Hörspiel. Es gibt kein klares Schwarz-Weiß – nur viele Graustufen, in denen sich die Figuren verlieren. Diese Vielschichtigkeit ist eine der größten Stärken des Hörspiels.

Spannung durch Reduktion

Was Der Bunker besonders effektiv macht, ist die Entscheidung, den Raum stark zu begrenzen. Statt Schauplatzwechseln und spektakulären Actionmomenten konzentriert sich das Hörspiel auf das, was in den Köpfen der Beteiligten passiert. Das Kammerspiel-Format erzeugt eine intensive Atmosphäre: Die Enge des Bunkers, das Fehlen von Tageslicht, das Echo der Stimmen – all das verstärkt das Gefühl des Ausgeliefertseins.

Die Spannung entsteht hier nicht durch äußere Bedrohungen, sondern durch die psychologische Eskalation innerhalb der Gruppe. Misstrauen, Angst und Schuldgefühle greifen um sich wie ein Virus. Besonders eindrucksvoll ist, wie schnell die Kontrolle verloren geht – ein Moment der Unachtsamkeit, ein Wort zu viel, und die Situation kippt.

Sounddesign und Inszenierung

Christoph Piasecki, der Regisseur und Produzent des Hörspiels, setzt auf ein zurückhaltendes, aber sehr effektives Sounddesign. Der Bunker klingt so, wie man ihn sich vorstellt: hallend, feucht, unheimlich. Jedes Geräusch – Schritte, Tropfen, leises Atmen – trägt zur angespannten Stimmung bei. Die Musik von Michael Donner und Konrad Dornfels ist dezent, aber stimmungsvoll. Sie legt sich wie ein düsterer Schleier über die Szenen und unterstreicht die emotionale Fallhöhe.

Die Stimmen der Sprecher sind hervorragend gewählt. Besonders hervorzuheben ist Anni C. Salander, die Kim eine glaubwürdige Mischung aus Angst, Wut und Stolz verleiht. Auch Jenny Maria Meyer, Swen Mai und Tom Raczko liefern intensive Performances, die die psychologische Komplexität ihrer Figuren unterstreichen.

Gesellschaftskritik und Relevanz

Der Bunker ist nicht einfach nur ein Thriller – es ist auch eine Auseinandersetzung mit Gruppenzwang, Mobbing, sozialem Druck und den Abgründen jugendlicher Psyche. Das Hörspiel zeigt, wie schnell aus Mitläufern Täter werden können – und wie schwer es ist, sich einem destruktiven Gruppendruck zu entziehen. Gleichzeitig verweigert sich das Stück einfachen Erklärungen oder moralischer Belehrung. Stattdessen konfrontiert es den Hörer mit der unbequemen Wahrheit, dass jede Handlung Konsequenzen hat – selbst dann, wenn sie nur Spaß gemacht hat.

Diese Thematik macht Der Bunker hochaktuell. In einer Zeit, in der Mobbing auch digital grassiert und junge Menschen häufig nach Zugehörigkeit und Identität suchen, ist das Hörspiel ein Mahnmal für die zerstörerische Kraft von Ausgrenzung und Gewalt.

Vergleich zu anderen Folgen der Reihe

Im Vergleich zu früheren Murder Tales-Folgen geht Der Bunker noch stärker in die psychologische Tiefe. Während andere Episoden der Reihe teilweise auf klassische Krimi-Strukturen setzen, ist diese Folge ein düsteres Psycho-Drama mit Thriller-Elementen. Der Horror ist hier nicht übernatürlich oder effekthascherisch – er entsteht aus ganz normalen Menschen, die über sich hinauswachsen – oder besser gesagt: in sich zusammenfallen.

Ein packendes, unangenehmes Hörerlebnis

Murder Tales – Der Bunker ist kein leicht verdauliches Hörspiel. Es ist unbequem, intensiv und emotional fordernd. Es zwingt den Hörer, sich mit Fragen auseinanderzusetzen, die über die Handlung hinausgehen: Was macht uns zu Tätern? Wie leicht ist es, unsere moralischen Grenzen zu verschieben? Und wie leben wir mit den Konsequenzen?

Diese Folge bleibt lange im Gedächtnis – nicht wegen spektakulärer Effekte, sondern wegen ihrer schonungslosen Ehrlichkeit. Ein Stück, das aufwühlt, beschäftigt und nachdenklich macht. Wer bereit ist, sich auf diese emotionale Achterbahnfahrt einzulassen, bekommt eines der stärksten deutschen Hörspiele der letzten Jahre.

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